オーケストラと共演する夢をかなえる「夢響」が今年も開催されます。今回はそのオーディション編。オーディションには書類選考を通過した約60名が参加しました。審査員を務めたのはチェリストの宮田大さんと指揮者の田中祐子さん。最終審査の結果、オーケストラと共演する8名が選出されました。
　ヴァイオリンの日置駿さんは「芸術に中断はない」という言葉に触発されて、会社員生活のかたわら音楽活動を再開。音楽に対する情熱が伝わってきました。
　ピアノの髙田道子さんは、オーケストラと共演する長年の夢を、モーツァルトのピアノ協奏曲第23番でかなえます。味わい深いソロを聴かせてくれましたが、オーケストラと共演することでどうなるのか、楽しみです。
　ヴァイオリンの遠藤陽太さんは、世界一のヴァイオリニストを目指す小学生。その第一歩が夢響でのソリストデビューだと言います。頼もしいですね。
　ハープを演奏してくれたのは、小学生の高井なな美さん。お弁当箱に人魚がハープを弾く絵が描いてあったことが、ハープを始めたきっかけだという素敵なエピソードを紹介してくれました。
　ヴァイオリンの菊地結大さんも小学生。マロ先生（元NHK交響楽団コンサートマスターの篠崎史紀さん）のようなカッコいいコンサートマスターになりたいと話してくれました。小学生にして、すでにスター性が感じられます。
　オーボエの加茂宏治さんはボディビルダー。筋肉とオーボエという組合せがインパクト抜群です。とても甘美な音色を聴かせてくれました。
　ピアノの広瀬冬悟さんは小学生。ピアノを弾くだけではなく、自分で作曲した曲をピアノ協奏曲にして、世界中のみんなに聴かせたいという大きな夢の持ち主です。
　声楽の川田雄輝さんは、まだ音楽を始めて3年目。若くして亡くなったオペラ歌手の兄が、なぜそこまで音楽を愛したのかを知るために声楽を始めたといいます。
　いよいよ来週はオーケストラとの共演が待っています。夢の実現まで、あと一歩です！

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は番組の「お宝映像」から、ディズニーの名曲を集めてお届けしました。出演はダイアモンド☆ユカイさん、高嶋ちさ子さん、山崎育三郎さん、Toshlさん、May J.さん他。豪華メンバーがずらりと並びました。こうして聴くと、あらためてディズニーの音楽は名曲ぞろいだと感じますね。
　映画「トイ・ストーリー」の「君はともだち」を書いたのは、シンガーソングライターのランディ・ニューマン。1995年の「トイ・ストーリー」で初めてアニメーション映画のために曲を書きました。「君はともだち」は、わずか1日で書き上げられたといいますが、曲は「トイ・ストーリー」を象徴する曲になりました。
　映画「アラジン」と実写版「美女と野獣」の作曲者はアラン・メンケン。「ディズニー・ルネサンス」と呼ばれる1990年代の隆盛を支えた立役者のひとりです。アラン・メンケンはブロードウェイ・ミュージカルの語法をアニメーション映画に持ち込んで、大きな成功をもたらしました。「ホール・ニュー・ワールド」や「美女と野獣」は、単なる挿入歌ではなく、歌そのものがドラマを進める役割を担う点で、まさにミュージカル的です。
　今回は実写版「美女と野獣」から2曲が選ばれていますが、山崎育三郎さんが歌った「ひそかな夢」は2017年の実写版のために新たに作曲された曲です。一方、Toshlさんが歌った「美女と野獣」は1991年のアニメーション版から使われる名曲。同じアラン・メンケンが四半世紀以上を隔てて、同じ物語のために曲を書いているのです。
　映画「アナと雪の女王」の「レット・イット・ゴー〜ありのままで〜」の作詞・作曲はクリステン・アンダーソン＝ロペスとロバート・ロペス。メンケンらが築いたディズニー・ミュージカルの伝統を受け継ぎ、現代へと発展させてきた次の世代のソングライター夫妻です。エルサの自己解放に至る心情がドラマティックに表現されていて、現代のディズニーらしい一曲だと感じます。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は夏の納涼企画として、恐怖を感じる曲を集めてみました。まるでホラー小説を読んでいるような気分を音楽で味わえたのではないでしょうか。
　ベートーヴェンのピアノ三重奏曲第5番品70-1は「幽霊」の愛称で親しまれています。命名者がだれなのかはわかりませんが、今回お聴きいただいた第2楽章には、いかにもお化けが出てきそうな雰囲気がありました。ベートーヴェンの死後、弟子のチェルニー（ピアノの教則本で有名）が、この楽章について「幽霊のようで恐ろしく、地下から現れたようだ。シェイクスピアの『ハムレット』の父王の幽霊の出現場面を思い出す」と記しています。おそらく、この記述に共感した人たちの間で、次第に「幽霊」の愛称が広まっていったのでしょう。
　現代において恐怖の音楽のシンボルとなっているのは、ヒッチコックの映画「サイコ」のシャワーシーンに登場するヴァイオリンの高音です。作曲者は数多くの映画音楽で知られるバーナード・ハーマン。ほとんど効果音に近い曲ですが、「殺人」という曲名が付いています。一説によれば、元ネタはフィンランドの作曲家シベリウスの交響的幻想曲「ポホヨラの娘」。曲の後半で、よく似たフレーズが登場します。この曲はフィンランドの民族叙事詩「カレワラ」にもとづく作品です。主人公の老賢者ヴァイナモイネンが美しいポホヨラの娘に求婚するも、娘は「自分が与えた試練を乗り越える男しか相手にしない」と言って無理難題をふっかけます。ヴァイナモイネンは魔法の力で課題をクリアしていきますが、最後に失敗して、娘に嘲笑されるのです。その場面が「サイコ」にそっくりなのですが、なんともひどい話ですよね。
　プロコフィエフのヴァイオリン・ソナタ第1番の第1楽章には作曲者が「墓場にそよぐ風」と形容した、ヴァイオリンの風のようなパッセージが登場します。この曲、不気味ですけど、本当に美しいと思いませんか。プロコフィエフの型にはまらない天才性を感じます。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は好評企画「新しいクラシックの音楽会」の第5弾。クラシックと言えば遠い過去の音楽と思われがちですが、今も新しい作品が次々と誕生しています。近年の傾向としては、ポップスやジャズなど他ジャンルとの境界がますます曖昧になっていることが挙げられると思います。
　今回、焦点を当てたのはミニマル・ミュージック。最小限のフレーズを反復したり、フレーズをずらすことで生まれる変化におもしろさがある音楽です。ミニマル・ミュージックそのものは決して新しいものではありません。1960年代のアメリカから誕生した音楽で、テリー・ライリー、スティーヴ・ライヒ、フィリップ・グラスといった人たちが、この分野の旗手となって、新たな潮流を生み出しました。これらはジャンルの境界を越えた音楽の先駆例とも言えるでしょう。ミニマル・ミュージックは、クラシック側からもポップ・ミュージック側からも聴衆を獲得しました。
　この潮流を受けて誕生した1980年代以降の音楽は、しばしば「ポスト・ミニマル」の言葉でくくられます。その代表的な作曲家のひとりが、今回、廣津留すみれさんが紹介してくれたアメリカのジョン・アダムズ。初期のミニマル・ミュージックに比べると、より柔軟な書法で書かれており、とくにジョン・アダムズは躍動感に加えて、ハーモニーや色彩感の豊かさに特徴があります。一曲目の「ロード・ムービーズ」は、廣津留さんのコメントにあったように「景色がどんどん変わっていく」タイプの曲。車でアメリカの風景を走り抜けるような感覚があります。
　蓮沼執太さん作曲の「centers」は、ミニマル・ミュージックに影響を受けて生まれたテクノやヒップホップが着想源になっていると言います。ミニマル・ミュージックになじんでいるクラシック音楽ファンの方も、抵抗なく楽しめたのではないでしょうか。これもジャンルではくくれない魅力を持った音楽だと思いました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週はソプラノの森麻季さん、テノールの宮里直樹さん、バリトンの大西宇宙さんをお招きして、オペラ歌手の秘密に迫りました。3人ともすばらしい美声の持ち主ですが、声を客席の隅々まで届けるために、さまざまな工夫や練習を重ねていることが、よくわかりました。
　オペラほど歌手にとって過酷な舞台はないと思います。まず、舞台にはマイクがありません。それでいて、大編成のオーケストラといっしょに歌わなければなりません。声量が足りないと、いくら歌がすばらしくても客席までは届きませんし、オペラは長丁場ですからスタミナも必要になります。宮里さんの肋間筋のお話や、大西さんの腕立て伏せをしながら歌う様子を見て、オペラ歌手にはアスリート的な側面があると感じました。連続スタッカートを披露してくれた宮里さんは「これができると、寝ていても座っていてもどんな体勢でも腹式呼吸で歌える」と話していましたが、実際の舞台でも横になったままで歌う場面は決して珍しくありません。
　さらにオペラ歌手は暗譜と外国語が必須。舞台上では演技を伴いますから、どんな長大なオペラであっても最初から最後まで暗譜で歌います。3時間、4時間を超える大作でも、みなさん当然のように曲も歌詞も覚えているのです。しかも歌詞はほとんどの場合、外国語。オペラの世界ではイタリア語やドイツ語が中心です。フランス語、英語、ロシア語、チェコ語の作品もあります。森さんは「語学の勉強がいちばん大変」と話していましたが、歌うだけでも難しいのに、言葉の勉強もしなければならないとは。宮里さんは、新しい楽譜に向き合うと「これを全部覚えるんだ……」と、まずは一回落ち込むと話していました。これだけ活躍している人でも、そんなふうに感じるんですね。オペラの舞台は奇跡のような才能と努力によって支えられているのだと、あらためて実感します。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週はピアニストのマルティン・ガルシア・ガルシアさんをお招きして、母国スペインの音楽を演奏していただきました。今回紹介してくれた作曲家は、マヌエル・デ・ファリャ（1876～1946）とフェデリコ・モンポウ（1893～1987）のふたり。ファリャは今年生誕150年を迎え、一段と注目度が高まっている作曲家です。一方、モンポウは1987年まで存命でしたので、比較的新しい時代の作曲家です。
　ファリャはアンダルシア地方の港町カディスの出身。この地方の伝統音楽を題材に用いながら、独自の作風を築きました。バレエ音楽「恋は魔術師」（ガルシア・ガルシアさんは原題に従って「呪われた愛」と紹介してくれました）や、バレエ音楽「三角帽子」がよく知られています。いずれもわたしたちが耳にして、いかにもスペインらしいと感じるような作風です。
　「恋は魔術師」のなかでも広く親しまれているのが「火祭りの踊り」。原曲はオーケストラのための作品ですが、ピアノ独奏版もよく演奏されます。この曲は作曲者と親交のあった往年の大ピアニスト、アルトゥール・ルービンシュタインが好んでアンコールに弾いたことで、絶大な人気を獲得しました。
　モンポウはカタルーニャ地方のバルセロナ出身。カタルーニャ地方出身の芸術家といえばガウディやダリ、ミロなどが有名ですが、偉大な音楽家もたくさん輩出しています。モンポウ、アルベニス、グラナドスといった作曲家に加えて、チェリストのカザルス、歌手のカレーラスなどなど。
　モンポウの作品の大きな特徴は、簡潔さや静謐さにあると言えるでしょう。独特の響きにより、しばしば瞑想的で内省的な雰囲気が醸し出されます。モンポウが好んで用いたのがメタリック・コード。幼少期に祖父の鐘鋳造工場で耳にした響きがもとになっているといいます。ガルシア・ガルシアさんの解説にあったように、不協和音が含まれているのですが、なぜかノスタルジーを喚起するところがおもしろいと思いました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は初夏の北海道を舞台にしたスペシャル企画の第3弾。釧路に生まれた偉大な作曲家、伊福部昭（1914～2006）の音楽を特集しました。
　伊福部昭は9歳の頃に音更に移り、アイヌの人々と親しく交流します。
ここで接したアイヌの音楽や踊りは、後の作曲家人生に大きな影響を与えることになりました。独学で作曲をはじめ、北海道帝国大学農学部を卒業後、チェレプニン賞に応募した「日本狂詩曲」が第1位を獲得。北海道では林務官として勤務していましたが、戦後、東京に移り音楽に専念します。管弦楽曲や器楽曲、さらには300作を超える映画音楽を手がけるなど、旺盛な作曲活動をくりひろげました。また、名著「管絃楽法」はこの分野における古典として知られています。
　一曲目に演奏されたのは、「ヴァイオリンと管絃楽のための協奏風狂詩曲」第1楽章より。1948年に作曲され、その後、改稿が繰り返されて1971年に決定稿が作られました。映画「ゴジラ」と共通のテーマが用いられています。どこか懐かしさを感じさせる民謡のような旋律、力強く荒々しいリズム、湧きあがるような生命力。伊福部昭の音楽の特徴がよく伝わってきます。
　続いて演奏されたのは「土俗的三連画」の第1曲「同郷の女達」、第3曲「パッカイ」。1937年に書かれた初期の代表作です。チェレプニン賞を得た伊福部は、来日したチェレプニンの招きにより横浜のホテルに滞在し、一か月にわたって作曲を学びました。レッスン代どころか滞在費も食費もすべてチェレプニンにより賄われ、「払おうにも当時の月給が65円で、部屋代が一晩45円ではどうにもならなかった」といいます。金の心配は一切するなというチェレプニンに対して、伊福部は作品の献呈でお返しをしたいと申し出て、師を喜ばせました。こうして書かれたのが「土俗的三連画」です。
アイヌ文化からの影響とチェレプニンとの出会いが、伊福部独自の音楽世界に結実しました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は初夏の北海道を舞台にしたスペシャル企画の第2弾。いずれも北海道出身の音楽家であるヴァイオリンの成田達輝さん、山根一仁さん、トランペットの児玉隼人さんとともに、北海道の白老町にある「ウポポイ」を訪れました。
「ウポポイ」はアイヌの歴史・文化を学び伝えるナショナルセンター。長い歴史と自然のなかで培われてきた
アイヌ文化をさまざまな角度から伝承・共有するとともに、人々が互いに尊重し共生する社会のシンボルとしての役割を担う空間です。
「ウポポイ」とは、アイヌの言葉で「大勢で歌うこと」を意味するのだそうです。ウポポイ伝承課のチャッケさんが、いろいろな伝統楽器や歌、踊りを紹介してくれました。
　アイヌの伝統楽器ムックリは口琴の一種。セタレさんの即興演奏がすばらしかったですよね。小さな弁が振動する音を口で共鳴させるという説明がありましたが、シンプルな作りにもかかわらず、想像以上に表現力が豊かでびっくりしました。低音のパルスなど、かなり不思議な音が出てきます。チャッケさんが「シンセサイザーみたいな」と形容していましたが、まさしく！ 児玉さんが「トランペットと口の使い方が似ている」と指摘していたのが、おもしろいと思いました。
　「杵つき歌 イウタ ウポポ」は、輪唱のような音の重ね合わせから、生き生きとした表情の音楽が生み出されます。成田さん、山根さん、児玉さんの3人がとても楽しそうにチャレンジしてくれました。
　ウポポイのみなさんによる「伝統の踊り イヨマンテ リㇺセ」では、独特の発声法ホロㇽセを用いた力強い響きに圧倒されました。まるで鳥の鳴き声のよう。
　「座り歌 ウポポ」は、シントコと呼ばれる漆器の蓋を叩きながら歌われ、ここにも輪唱の要素がありました。成田さん、山根さん、児玉さん、石丸さんも加わった即興のコラボが実現。これは熱かったですね。終わった後のみなさんの達成感にあふれた表情が印象的でした。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週より初夏の北海道を舞台にしたスペシャル企画を3週連続でお届けします。第1週は「自然の音が彩る苫小牧組曲の音楽会」。ヴァイオリンの成田達輝さんと山根一仁さん、トランペットの児玉隼人さんという北海道出身の演奏家のみなさんに、苫小牧を象徴するさまざまな音を採集してもらい、これらの音を演奏と組み合わせて「苫小牧組曲」を作りあげました。
　「苫小牧組曲」第1番は「港町」。映画「ロシュフォールの恋人たち」のために書かれたミシェル・ルグランの名曲「キャラバンの到着」が、苫小牧のカモメの鳴き声やフェリーの汽笛の音に彩られます。児玉隼人さんが汽笛の音をオーケストラの金管セクションのサウンドに似ていると話していたのが、おもしろかったですね。秀逸なたとえだと思いました。
　「苫小牧組曲」第2番は「名馬の産地」。ヴァイオリンの弓に使われるのが馬のしっぽの毛。成田さんと山根さんのふたりのヴァイオリニストが、馬のいななきや足音を採集してくれました。意外とレアな馬のいななきですが、無事に採集することができました。西部劇の名作、映画「荒野の七人」のメインタイトルに、苫小牧の馬のいななきと足音が織り込まれます。楽器対抗いななき選手権では、ファゴットがまさかの大活躍。
　「苫小牧組曲」第3番は「野鳥の宝庫」。朝3時起きで採集したツツドリ、ウグイスらの野鳥の鳴き声が用いられます。曲は葉加瀬太郎さんの「エトピリカ」で始まり、ベートーヴェンの交響曲第6番「田園」の第2楽章へ。エトピリカとは海鳥の名だったんですね。ベートーヴェンの「田園」には、フルートがナイチンゲールを、オーボエがウズラを、クラリネットがカッコウを模倣する場面があります。自然散策を好んだベートーヴェンらしい趣向ですが、今回はさまざまな楽器が加わって、さらにたくさんの野鳥たちに参加してもらいました。最後はエトピリカも加わっていましたね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は古くからある機器や楽器を用いて、新しい音を生み出す二組のアーティストをお招きしました。オープンリール式テープレコーダーを楽器として用いるオープンリールアンサンブルのみなさん、そして日本の雅楽で用いられる伝統楽器の笙を自在に操るカニササレアヤコさん。ともに意外性にあふれた奏法と楽曲を披露してくれました。
　オープンリールアンサンブルの「録音再生機器を楽器として使う」という発想には感嘆せずにはいられません。今でこそデジタルレコーディングが当たり前になりましたが、アナログレコードの時代にはプロ用の音響機器としてオープンリール式テープレコーダーが広く使われていました。編集の際にはテープを切り貼りしていたのです。オーディオ好きであればオープンリールに憧れを抱いていた方も少なくないはず。マニアのなかにはカセットテープでは飽き足らず、家庭用のオープンリールを導入する人もいました。
　そんな懐かしいオープンリールを楽器として使って生まれた音楽は不思議なほど新鮮です。レトロフューチャーなテイストに魅力を感じます。テープタップ（磁跳打）、テープオルガン（磁盤）、テープボウイング（磁楽弓）といった多彩な奏法は、くらくらするほど独創的。「磁楽弓三重奏」と「Magnetik Phunk」、どちらも本当にカッコよかったですよね。
　カニササレアヤコさんの笙の音色にもシンセサイザーを思わせる未来的なイメージを感じます。古くからある楽器ですが、リードは金属製なのだとか。タンギングもできるとは知りませんでした。「Untitled」のようなミニマル・ミュージックのスタイルが、よく似合います。笙でもこんな軽快な表現ができるんですね。「糸竹のアリア」は笙とチェンバロのひとり二重奏。チェンバロのキラキラとした音色にも金属的なイメージがあって、笙と無理なくなじみます。バロック音楽を思わせる優雅な曲想に心がなごみました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）