この番組には世界的に活躍する演奏家が次々と登場していますが、真に世界最高峰の存在という意味でマキシム・ヴェンゲーロフは別格だと思います。
　ラヴェルの「ツィガーヌ」の演奏、すばらしかったですよね。バックにオーケストラがいるにもかかわらず、冒頭の約4分間はヴァイオリンのみの独奏で演奏するという特殊な作品でしたが、ヴェンゲーロフの最初の一音が鳴り響いた瞬間に、東京オペラシティ・コンサートホールの空気が変わったように感じました。これほど強靭で、なおかつ潤いのあるサウンドは、なかなか聴けるものではありません。技巧が技巧そのものをひけらかすためのものではなく、自在な感情表現と一体になっているのも名手ならでは。演奏が終わると客席から「ブラボー！」の声がかかっていました。
　若き日のヴェンゲーロフが五嶋家を訪れていたというエピソードにはびっくりしました。龍さんのお姉さん、五嶋みどりさんも世界的なヴァイオリニストとして知られています。それにしても当時2歳の龍さんが、ヴェンゲーロフの来訪を覚えているというのがすごいですよね。よほど強い印象が残っていたのでしょう。
　最後のショスタコーヴィチの「祝典序曲」は、ヴェンゲーロフの指揮でお聴きいただきました。近年のヴェンゲーロフは指揮活動も活発に行なっています。ヴァイオリニスト出身の指揮者は珍しくありませんが、ここまでヴァイオリンを極めた人が指揮をするとなれば、やはり注目せずにはいられません。ヴァイオリンを持って弾き振りもできますし、純粋に指揮だけをすることもできる。音楽家としての幅が広がっています。
　すでに風格が漂っていますが、実はまだ41歳のヴェンゲーロフ。これからどんな可能性が開けているのか、想像もつきません。

大ヒットRPGシリーズ「ファイナルファンタジー」の第1作が発売されたのは1987年のこと。当時は任天堂のファミコン用のゲームでした。以来、最新作のファイナルファンタジーXIVに至るまで、数々の名曲がシリーズを彩ってきました。
　今回の「吹奏楽によるファイナルファンタジーの音楽会」では、「ファイナルファンタジー」の作曲家植松伸夫さんによる、特に思い入れのあるベスト5が選ばれました。実際にゲームをプレイされた方は、名場面を思い出して懐かしい気分に浸れたのではないかと思います。また、「ファイナルファンタジー」になじみが薄い方であっても、植松さんが作り出す楽想の多彩さを感じとれたのではないでしょうか。
　特におもしろいなと思ったのは、第4位に選ばれた「魔導士ケフカ」。植松さんは「悪役の音楽を書くうえで、登場人物の背景まで考える」とおっしゃっていました。キャラクター造形を音楽で伝えるというのは、まるでオペラの作曲家みたいですよね。ヴェルディやワーグナーもきっと登場人物の背景まで考えながら、曲作りをしていたのではないでしょうか。
　「ファイナルファンタジー」は長年にわたるシリーズですので、思い入れのある名曲も人それぞれかと思います。私がいちばんぐっと来たのは、番組の冒頭に演奏された「プレリュード」。この分散和音の連続を聴くと、なんともいえないワクワクするような、切ないような気分になります。ファミコンの電源を入れて最初にセーブデータを選択する場面で、この曲をなんどもくりかえし耳にしたのを懐かしく思い出しました。ゲームをはじめる前の期待感を思い起こさせる曲である一方で、全滅した後でセーブデータを選ぶときのやるせない気分をよみがえらせる曲でもあります。
　そんなこともあって、ワクワク感と切なさが一緒になって思い出されてしまうのでしょう。音の記憶というのは侮れません。

今週は「いま音楽業界が注目する4人の音楽家たち」。ピアノの反田恭平さん、辻井伸行さん、ヴァイオリンの成田達輝さん、クラリネットの吉田誠さん、いずれも音楽専門誌や音楽業界関係者の間で実力が認められた気鋭の奏者たちです。
　反田恭平さんは昨年夏にデビューアルバムをリリースして以来、大きな話題を呼んでいます。今年1月にはサントリーホールでデビュー・リサイタルを開くという快挙を成し遂げました。新人ピアニストが2000席クラスの大ホールでデビュー・リサイタルを開くのは異例中の異例。しかもチケットは完売。番組では得意のリストの作品から「タランテラ」を弾いてくれましたが、今の反田さんの勢いが伝わってくるような生き生きとした演奏でした。
　辻井伸行さんがヴァン・クライバーン国際ピアノ・コンクールで優勝を果たしたのは2009年のこと。もう7年も前のことになるんですね。以後、世界的巨匠ゲルギエフやアシュケナージと共演するなど、着実にキャリアを築いています。「悲愴」ソナタの第2楽章、名演でした。以前放送したピアノ協奏曲第5番「皇帝」もそうでしたが、辻井さんのベートーヴェンは風格があって、聴きごたえがあります。
　ヴァイオリンの成田達輝さんはぜひこれから長く聴き続けたいアーティストです。最近、成田さんにインタビューをする機会があったのですが、音楽に対して真摯な姿勢をお持ちで、技術の高さはもちろんのこと、表現という点でも突きつめられた演奏を聴かせてくれる人だと思います。
　クラリネットの吉田誠さんも楽しみな大器です。クラリネット奏者として際立った活躍をくりひろげる一方で、指揮も学んでいるという異色の奏者。今後どんな領域に活動の場を広げていくのでしょうか。
　楽しみな才能が次々と登場する日本の音楽界。俊英たちから目が離せません。

今、日比谷公会堂でコンサートを聴いたことがあるという方はそう多くはいらっしゃらないかもしれません。しかし、かつてはこの場所こそが東京のクラシック音楽シーンの中心地でした。開館は1929年。後に東京文化会館やサントリーホール、東京オペラシティなど、東京にはすぐれたコンサートホールがいくつも誕生することになりますが、日比谷公会堂はその先駆けとなった存在です。メニューインやシャリアピン、ハイフェッツなど、伝説の巨匠たちがこの舞台に立っています。
　その日比谷公会堂がこの3月をもって休館を迎えることになりました。会場の独特の雰囲気は放送を通じても伝わったのではないかと思います。現代のホールとは一味違った趣があり、歴史の重みと品格を感じさせます。定員は2000人強ですので、現代のコンサートホールと変わりません。しかし客席に座ってみると意外と舞台が近く感じられます。残響が少なく、オーケストラの音は豊麗というよりは、生々しくひきしまったサウンドに聞こえます。
　2007年にこの日比谷公会堂でショスタコーヴィチ作曲の交響曲全曲演奏会を指揮したのが井上道義さん。今年2月にはふたたびこの会場でショスタコーヴィチの交響曲第9番と第15番を指揮しています。番組では交響曲第9番の第1楽章をお聴きいただきましたが、かねてよりショスタコーヴィチの作品に特別な情熱をもって取り組んできたマエストロの思いが伝わってきたのではないでしょうか。軽快でコミカルな表情とアイロニーが一体となったような、一筋縄ではいかない多面性はショスタコーヴィチならでは。日比谷公会堂の古き良き伝統と、ショスタコーヴィチのモダンな響きが不思議と調和していました。
　この会場で若い五嶋龍さんが演奏している姿を見ることができたのもうれしかったですね。ブルッフのヴァイオリン協奏曲に、胸がいっぱいになりました。

ヨーロッパを中心に長い歴史を持つクラシック音楽の世界では、アメリカは若くて新しい国の立場です。1892年、ニューヨークにもヨーロッパ並みの本格的な音楽院を設立しようと考えた富豪のジャネット・サーバー夫人は、院長としてドヴォルザークを招きました。ドヴォルザークのような著名な作曲家をヨーロッパから招くことが、音楽院の声望を高めるためにどうしても必要だったのでしょう。当初、ドヴォルザークはチェコを離れることを逡巡していましたが、破格の報酬が約束されたこともあって、アメリカ行きを決断しました。
　ドヴォルザークがアメリカにわたったおかげで、交響曲第9番「新世界より」のような傑作が生まれたのですから、わたしたちはジャネット・サーバー夫人に感謝するよりほかありません。もっとも、1893年に恐慌が起き、サーバー夫人が高額な報酬を支払えなくなったため、ドヴォルザークのアメリカ時代は長くは続きませんでした。
　やがて、アメリカはガーシュウィンやコープランドのような自国の作曲家によって、独自のクラシック音楽を作り出すようになりました。番組中でガーシュウィンの「ラプソディ・イン・ブルー」の冒頭が演奏されましたが、この曲はジャズでもありクラシックでもあるという、アメリカならではの名曲です。
　レナード・バーンスタインの「ウェスト・サイド・ストーリー」は、映画やミュージカルで知ったという方が多いでしょう。オーケストラ用の組曲はコンサートでしばしば演奏される人気曲です。新日本フィルのみなさんの「マンボ！」の掛け声、盛り上がりましたよね。バーンスタインといえば生前は、作曲家よりも指揮者として注目を浴びることが多かったのですが、没後四半世紀を経た今、彼の作品の演奏機会は着実に増えているように思います。バーンスタインはアメリカの作曲家として、すでにクラシック音楽の伝統の一部になった感があります。
　それにしても井上道義さん、カウボーイの衣装がさまになっていました。絵になりますよね。

同じ作品が、演奏するアーティストによって違った表情を見せる。クラシック音楽の聴き方のひとつとして、こういった同曲異演の楽しみがあります。
　では、現在第一線で活躍するプロのヴァイオリニストたちは、往年の大ヴァイオリニストの演奏について、どう感じているのでしょうか。今回の「題名のない音楽会」では、徳永二男さん、三浦文彰さん、そして司会の五嶋龍さんの三人のヴァイオリニストたちが、「演奏の違い」について語ってくれました。徳永二男さんは長年NHK交響楽団のコンサートマスターを務めていらっしゃいましたので、テレビを通してご存知の方も多いと思います。また、三浦文彰さんは大河ドラマ「真田丸」のオープニングテーマで、ソロを演奏している若き俊英です。ちなみにお父さまの三浦章宏さんは現在東京フィルのコンサートマスターを務めていらっしゃいます。
　三浦文彰さんが憧れのヴァイオリニストとして挙げたのはナタン・ミルシテイン。品格と高雅さを感じさせる大家です。決して派手な人ではありませんので、若い奏者からこの名が挙がると「おお！」と思ってしまいますね。徳永二男さんが挙げたのはヤッシャ・ハイフェッツ。「技巧が高い」と呼ばれる名奏者は大勢いますが、そのなかでも別格なのがハイフェッツでしょう。龍さんはお姉さんの五嶋みどりさんの名を挙げていました。幼いころからいちばん身近なところに世界の「MIDORI」がいたわけですから、これは納得です。
　後半ではチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲をイヴリー・ギトリスとイツァーク・パールマンの演奏で聴き比べていただきました。ふたりの個性の違いを感じ取っていただけたでしょうか。濃厚で奔放なギトリスと、天衣無縫の流麗さを誇るパールマン。番組内ではほんの少しだけの演奏でしたが、もし機会があったら、全曲演奏を聴いてみてください。同じ曲でもこんなに違ったアプローチができるのかという驚きが待っているはずです。

今週は「世界が認めた新世代の音楽会」。著名なコンクールで上位入賞を果たし、音楽界の第一線で活躍する若くて実力のあるアーティストがそろいました。
　おもしろかったのは選曲のセンス。萩原麻未さん、成田達輝さん、横坂源さん、吉田誠さんが、オススメの一曲を持ち寄ってきてくださったのですが、みんなが知っているような有名曲は一曲もありませんでした。でも、どの曲もとても親しみやすくて、シャレていて、カッコいい。なるほど、こういう曲がこれから受けるのかな、と思わされます。クラシック音楽の世界にも案外、はやりすたりがあるもの。その時々で作曲家や作品の人気が高まったり、逆に低くなったりすることは珍しいことではありません。
　ヘンデルの原曲をハルヴォルセンが編曲した「パッサカリア」は、決して新しい曲ではないのですが、弦楽器2台で演奏できる貴重なレパートリーとして、近年耳にする機会が増えています。
　一方、プーランクの「城への招待」、この曲は初めて聴きました。めったに演奏される機会のない曲だと思いますが、こうして聴いてみると機知に富んだおもしろい作品ですよね。短編アニメや映画に仕立ててもおもしろいかも。
　最後に演奏された「アダムズ・ヴァリエーション」の作曲者、ギョーム・コネッソンは1970年フランス生まれの現代の作曲家です。現代の作曲家といっても作風は難解ではなく、「アダムズ・ヴァリエーション」もそうでしたが、軽やかで明快で、ポップといってもいいほどです。
　この番組の収録をきっかけに気になって、コネッソンの作品をいくつか録音で聴いてみたのですが、この「オシャレ感」はすごく今風だなと感じました。これからぐっと人気が高まるのではないでしょうか。

指揮者のわがままって、いったいなんだろう……と思ったら、こういうことだったんですね。ノーリハーサルでの本番、楽団員の暗譜演奏、バラバラの楽器配置、楽団員が歌って演奏。どれも実際のコンサートではまずありえないようなことばかり。でも指揮者の山田和樹さんのお話を聞くと、音楽的な狙いがあってのことと知って納得しました。
　ノーリハーサルで演奏してくれたのはプロコフィエフの「古典交響曲」の第3楽章。自在にテンポを動かしながら、強弱の表現もはっきりと付けた演奏でした。リハーサルがなくても、指揮のテクニックだけでこれだけ音楽を作ることができるとは。リハーサル嫌いの歴史的大指揮者クナッパーツブッシュも、こんなふうに指揮をしていたのでしょうか。
　楽団員の暗譜演奏にもびっくりしました。指揮者で暗譜をする方は決して珍しくはありませんが、楽団員が暗譜で演奏する姿を見たのは初めて。譜面台がないと、ずいぶんオーケストラの景色が違って見えます。なにかさっぱりした感じ、とでもいいましょうか。暗譜のおかげなのでしょう、すこぶる精彩に富んだ「フィガロの結婚」序曲を聴くことができました。19世紀の名指揮者ハンス・フォン・ビューローが楽団員に暗譜を求めたのは、こんなスリリングな演奏を実現したかったからなのかもしれません。
　いちばん予測が付かなかったのは、楽器のバラバラ配置。近年、一般的なストコフスキ式の楽器配置を見直して、それ以前のヴァイオリンを両翼に分ける対向配置を復活させようというトレンドが一部にあるのですが、山田さんのアイディアはもっと過激で、楽器ごとにグループを作らないという自由配置でした。さすがに楽器間の音のバランスは保てなくなってしまいますが、普段とは違った響きが生まれてくるのがおもしろかったです。オーケストラは集団である以前に、ひとりひとりのプレーヤーたちの集まりなんだな、ということも改めて感じました。

ベートーヴェンの「皇帝」って、聴けば聴くほど傑作ですよねえ。辻井伸行さんの演奏を聴いて、改めて実感しました。
　ベートーヴェンが最後に書いたピアノ協奏曲がこの「皇帝」。当時の協奏曲には共通する「型」があります。楽章の数は3つ。第1楽章と第3楽章が速いテンポで、第2楽章は遅いテンポで書かれています。第1楽章の終盤には「カデンツァ」と呼ばれるソロの聴かせどころが置かれます。カデンツァではオーケストラはお休み。ソリストだけが自由に即興的に演奏し、華やかな技巧を披露します。
　カデンツァは「おお、このソリスト、すごい！」とお客さんに思わせるための見せ場とでもいえるでしょうか。楽譜にはカデンツァが入るという指示があるだけ。なにを弾くかはソリストが決めます。
　しかし、型破りな作曲家ベートーヴェンは、「皇帝」で従来のようなカデンツァを止めてしまいます。当時、多くの場合、作曲家本人がソリストとしてピアノ協奏曲を演奏していましたが、すでに聴力の衰えていたベートーヴェンは演奏を他人に委ねるしかありませんでした。他人が弾くと決まっているのなら、即興などいらない、自分でぜんぶ作曲してしまおう。そう考えても不思議はありません。
　番組中で辻井さんがおっしゃっていたように、その代わり、ベートーヴェンはソリストのための見せ場を曲の冒頭に用意しました。最初にオーケストラが力強い和音を響かせるやいなや、ソリストがきらびやかなパッセージを奏でて、聴衆にアピールします。普通の協奏曲であれば、ソリストの登場までお客さんはしばらく待たされるのですが、この曲ではいきなり見せ場がやってきます。こういった趣向もベートーヴェンの型破りなところのひとつです。
　「皇帝」は第2楽章から第3楽章への移行部もすばらしいですよね。静かに瞑想するかのような雰囲気のなかで、ゆったりと第3楽章のテーマが出現して、切れ目なくパワフルな第3楽章へと突入します。あの瞬間にブルッと鳥肌が立つのは私だけではないでしょう。

※辻井伸行さんの姓の「辻」は正式には、点がひとつの「辻」です。

今週は「弦を奏でる音楽家たち」。そうなんです、ヴァイオリンもギターも同じ弦楽器だったんですね。
　たしかにどちらも弦を奏でているわけですが、ヴァイオリンとギターではずいぶん雰囲気やキャラクターが違います。ヴァイオリンというとコンサートホールのようなかしこまった空間が似合う楽器のように感じますが、ギターはぐっと身近な楽器といいましょうか、日常のなかの親密な空間で演奏される楽器というイメージがあります。
　そんなキャラクターの違いもあってか、ギターとヴァイオリンがいっしょに演奏するようなクラシックの名曲はあまりありません。しかし、例外的にパガニーニはこのふたつの楽器が共演する曲をいくつも作曲しています。最後にお聴きいただいた「ヴァイオリンとギターのためのカンタービレ」もそのひとつ。
パガニーニといえば「悪魔に魂を売り渡した」とウワサされるほどの超絶技巧を持ったヴァイオリンの名手でした。その一方で、演奏旅行に出る際には常にギターを携えて、折に触れて弾いていたといいます。一説によればパガニーニは若き日の一時期、ギターを嗜む裕福な貴婦人の寵愛を受け、そこでギターを習得し、婦人のために作品を書いたとか。常に最高難度の技巧をアピールしなければならなかったヴァイオリンと異なり、パガニーニにとってギターとはリラックスして心からくつろぐための楽器だったのかもしれません。
　今回はギターの持つ音色の多彩さにも目を見張りました。村治佳織さんと村治奏一さんがさまざまな奏法を披露してくれましたが、ギターってこんなに表現力の高い楽器だったんですね。アルペジオ奏法とかトレモロ奏法はいかにもギターらしい奏法ですが、ベリナティの「ジョンゴ」でのパーカッション奏法にはびっくりしました。弦楽器なのに、まるで打楽器のように演奏できるとは！ しかもギター2台で共演。楽しかったですね。