モーツァルトほど「天才」という言葉がふさわしい作曲家はいないのではないでしょうか。一見すると、とてもシンプルな音楽なのに、ほかの作曲家にはない独特の魅力が宿っています。革新的な音楽語法を発明したとか、新しいジャンルを開拓したとか、そういった新規性でモーツァルトのすごさを伝えようとしても、なかなかうまくいきません。特別なことをやっているようには見えないのに、出来上がったものは天衣無縫の音楽になっている。これぞ天才の証でしょう。
　今回はモーツァルトの作品のなかでも、短調で書かれている名曲に焦点を当てて、その天才性がどんなところにあるのか、指揮者の沼尻竜典さんにピアノ・ソナタ第8番イ短調をピアノで弾きながら、解説していただきました。「なるほど！」と思うようなポイントがいくつもありましたよね。
　モーツァルトについて、龍さんが「喜びと悲しみの境目がない」、反田恭平さんが「陽と陰を併せ持った天才」とおっしゃっていたのも印象的でした。モーツァルトはしばしば短調と長調の境目を自在に行き来します。光のなかに影があり、影のなかに光がある。そんな微妙な陰影が、情感の豊かさを生み出しているのでしょう。
　ピアノ協奏曲第20番ニ短調では、反田恭平さんが独奏を務めてくれました。この時代に書かれたピアノ協奏曲には「カデンツァ」という、独奏者がソロで自由な即興演奏を披露する聴かせどころが用意されています。ここは演奏者にお任せする部分ですので、モーツァルト本人はこの曲のカデンツァを書き残していません。幸いなことにベートーヴェンがこの曲のためのカデンツァを残していますので、多くのピアニストはベートーヴェン作のカデンツァを使用します。
　しかし、この日、反田さんが演奏したのは聴き慣れないカデンツァでした。第2楽章の主題が引用されるという一風変わったカデンツァは、イタリアの往年の大ピアニスト、アルトゥーロ・ベネデッティ・ミケランジェリが古い録音で弾いていた演奏に触発されたもの。この曲を聴き慣れた人にも、新鮮な感動があったのではないでしょうか。

　自分が二十歳のころになにをしていたか……と思い返してみれば、その未熟さに赤面したくなるという方が大半なのではないでしょうか。法律上で「成人になった」ことと、社会のなかで一人前の大人として認められることの間には大きな隔たりがあります。

　しかし、音楽家の世界では若くして頭角を現し、舞台で注目を浴びるような才能の持ち主が大勢います。今回、出演してくださったピアニストの小林愛実さん、ヴァイオリニストの周防亮介さんはともに二十歳にして、すでに華々しいキャリアを築きつつあります。まだ二十歳ですから現在も音楽大学や音楽院で研鑽を積んでいるのですが、それと並行してプロフェッショナルとしての演奏活動も続けています。

　「二十歳にしてすでに一流」という点では、過去の大作曲家たちは現代の演奏家をさらに凌いでいるかもしれません。今回取りあげたショパンのピアノ協奏曲第1番、ヴィエニャフスキの「スケルツォ・タランテッラ」、モーツァルトのセレナード第7番「ハフナー」の3曲は、いずれも作曲者が二十歳頃に書いた作品。これらは決して若書きの習作などではありません。すでにその作曲家の特徴や個性がはっきりと作品に刻印されており、しかも作曲者の死後もずっと演奏され続けている名曲です。この若さで将来の「古典」を書きあげてしまうのですから、本当にすごいですよね。

　そして若年期の名曲には、その時期だからこそ表現できる魅力があると思います。モーツァルトの「ハフナー」セレナードから伝わってくる溌溂とした生命力や屈託のない明るさは、限りない可能性を秘めた若者ならではのものではないでしょうか。ヴィエニャフスキの技巧的な「スケルツォ・タランテッラ」からは、当時すでに名ヴァイオリニストとして脚光を浴びていた作曲者の誇らしげな表情が伝わってくるようです。

　ショパンのピアノ協奏曲第1番は、作曲者が故郷ポーランドを離れて異国へと旅立つ告別演奏会で初演された作品です。祖国への思いを込めた旅立ちの曲。これも二十歳ならではの名曲です。「若いから未熟」という考え方は、才能ある音楽家に対しては当てはまらないのでしょうね。

　今回のゲストはヴァイオリニストの葉加瀬太郎さん。舞台に登場した葉加瀬さんと龍さんがヒシッと抱擁する姿を見て驚いた方も多いのでは？ なんと、おふたりは旧知の間柄。龍さんがまだ幼かった頃からのお知り合いなんだそうです。ジャンルの枠にとらわれない活動を展開する葉加瀬さんと、世界の名門オーケストラと共演するなどクラシックの王道を歩む五嶋龍さん。活動のフィールドを異にするおふたりですが、こんなに親しい関係だったんですね。葉加瀬さんを「先輩！」と呼ぶ龍さんの表情が生き生きとしていたのが印象的でした。

　葉加瀬さんは自作のメドレーで「弾き振り」を披露してくれました。楽器を演奏しながら、指揮も同時に行うのが「弾き振り」。しかも自作を演奏していましたので、ここでの葉加瀬さんは作曲家であり、演奏家であり、指揮者であるという一人三役をこなしていたことになります。

　実はクラシック音楽の歴史において、作曲家が演奏家や指揮者を兼ねることはまったく珍しいことではありませんでした。むしろかつてはそれが普通の音楽家のあり方だったのです。ところが時代が進むにつれて分業化が進み、指揮は専門の指揮者が担い、演奏家は演奏に専念して作曲をしなくなり、作曲家も作曲のみを行いステージに立たない人が増えてきました。それだけ各々が高度化してきたことはたしかなのでしょうが、自分の曲を自分で演奏するのが音楽の原点ではないかという思いはどこかに残ります。

　その意味では、現在の葉加瀬さんの音楽活動は、18世紀にモーツァルトが行なっていたことと変わりありません。

　最後の「情熱大陸」では、葉加瀬さんと龍さんの共演が実現しました。思い切りはじける龍さんと、温かい眼差しを注ぐ葉加瀬さん。迫力がありましたよね。東京オペラシティコンサートホールの客席がわきあがりました。

　超絶技巧って理屈抜きの感動がありますよね。田中彩子さんが歌ってくれたモーツァルトの「夜の女王のアリア」では、どこから出てくるのか思うような高音が飛び出します。軽快で、ユーモラスで、でも迫力がある。爽快でした。

　このアリアが登場するモーツァルトのオペラ「魔笛」は、ほかのオペラとは少し違ったテイストで作曲されています。田中さんのお話でも少し触れられていたように、当時のウィーンでは宮廷劇場がオペラの上演拠点となっていました。しかしその一方で、民衆のための劇場でも歌芝居などが上演され、次第に人気を高めていました。

　とりわけ才人ぶりを発揮していたのが、興行主兼台本作家兼俳優兼歌手のシカネーダー。シカネーダーは自分たちの一座のために、モーツァルトに「魔笛」を書いてもらったのです。おとぎ話や魔法が題材に選ばれているのも、民衆劇のスタイルを踏襲しているからなのでしょう。そして、歌手が超絶技巧を発揮する「夜の女王のアリア」は、お客さんを大いに沸かせる見せ場だったにちがいありません。

　「魔笛」が民衆のためのオペラであったのと同様に、一噌幸弘さんが復刻した田楽笛も民衆のための楽器だったといいます。「空乱12拍子」では、アクロバティックな超絶技巧が連発されました。こちらもエキサイティングでしたよね。なんといっても複数の笛を同時に吹くというのが強烈。この曲は一噌さんのオリジナル作品ですが、きっとかつての田楽笛にも名手がいて、「夜の女王のアリア」と同じように聴く人を興奮させたのではないでしょうか。

　今回、東京シティ・フィルを指揮した沼尻竜典さんは、指揮のみならずピアノや作曲でも活躍されています。五嶋龍さんたっての希望で、沼尻さんのピアノとの共演が実現しました。ヴィエニャフスキの「レジェンデ」、心に響く名演でした。