世に「前奏曲」と題された曲はたくさんありますが、そのなかでも特に人気の高い曲がショパンの「24の前奏曲」。「雨だれ」をはじめ、名曲がぎっしり詰まっています。でも前奏曲ばかりが続いていて、なぜか前奏の後に来るはずの本編（？）がありません。不思議ですよね。今回はそんな単独で成立する「前奏曲」が生まれるまでの歴史に迫ってみました。
　前奏曲がその名の通り前奏曲として機能している代表例としては、バッハの「前奏曲とフーガ」が挙げられます。「平均律クラヴィーア曲集」を筆頭に、バッハは前奏曲とフーガを一組にした作品をたくさん書いています。フーガとは主題を複数の声部間で模倣しながら進む曲のこと。とても複雑な構造を持っているので、聴くだけでも集中力が必要です。それに比べると、前奏曲はハーモニーやメロディの美しさが際立った曲が多く、リラックスして聴くことができます。つまり、「前奏曲とフーガ」は対照的な性格を持った曲がワンセットになっているわけです。
　ところがショパンの前奏曲もドビュッシーの前奏曲も、前奏曲だけで曲集が組まれています。フーガのような曲がなくても、前奏曲だけで十分に味わい深く、多彩な曲集が成立しています。ショパンの「24の前奏曲」は、バッハの「平均律クラヴィーア曲集」と同じように24のすべての調で曲を書くというアイディアに基づいていますが、ショパンの時代にはすでにフーガは流行していませんでしたので、ショパンが前奏曲とフーガをセットで書くことはありませんでした。
　ショパンに先んじて、ベートーヴェンも前奏曲のみの作品を書いています。「すべての長調にわたる2つの前奏曲」作品39や、前奏曲ヘ短調WoO.55といった作品があります。どちらもめったに演奏されない曲ですが、こういった知られざる作品にも、ベートーヴェンの先駆性があらわれています。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週はクラシックの分野で活躍するアニメ好きの音楽家たち3名が集まって、それぞれが選んだアニメソングをスペシャルアレンジで演奏しました。みなさんのアニメへの熱い思いがひしひしと伝わってきました。
　それにしても今の時代のアニソンには複雑な味わいを持った楽曲が多いことに改めて驚かされます。一曲目に演奏されたのは『王様ランキング』より「BOY」。演奏したい理由として、Cocomiさんが転調の多さや曲調の変化がストーリーに合っていることを挙げていました。ほのぼのとした絵柄に反して、物語世界が大人の心にも響くテーマを扱っていることを、あたかも音楽で予告しているかのよう。フルート、箏の透明感のある音色と、チェロとオーケストラの重厚な音色が組み合わさって、洗練されたサウンドが生み出されていました。
　『進撃の巨人』の「The Rumbling」を選んだのは箏のLEOさん。選曲の理由は「デスボイス」にあると言います。大声で歪ませて叫ぶ低音域の声を「デスボイス」と呼ぶのだそうですが、一見、箏とは似合わない表現方法のように思えます。しかし、特殊奏法を駆使したLEOさんの演奏は迫力満点。恐怖や混乱までも伝えてくれるスケールの大きな音楽になっていました。カッコよかったですね。
　『もののけ姫』より「アシタカとサン」を選んだのはCocomiさん。この物語のラストシーンには、変ニ長調の温かさが似合うと言います。フルートとハープの清澄な音色で始まって、ヴァイオリンのソロが加わり、弦楽器、さらに管楽器も加わって、次第に音の厚みが増してゆくという趣向を凝らした編曲でした。
　宮田大さんは言葉のリズムに着目して『SPY×FAMILY』より「喜劇」を選んでくれました。宮田さんのチェロから言葉のニュアンスが感じられたのではないでしょうか。ストリングスを中心としたアレンジもシックで気持ちよかったですね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は今年6月23日に96歳で世を去った渡辺宙明さんを追悼し、その名曲の数々をお届けいたしました。「秘密戦隊ゴレンジャー」や「野球狂の詩」「マジンガーＺ」などなど、本当に名曲ぞろいで、今聴いても胸が熱くなります。音楽がそれぞれのヒーロー／ヒロイン像にぴたりとマッチしているんですよね。
　「秘密戦隊ゴレンジャー」は特撮戦隊シリーズの草分け。それまでのヒーローはひとりで敵と対決していましたが、この番組では5人で戦隊を組んで敵と戦う新たなヒーロー像が打ち建てられました。オープニングテーマの「進め！ゴレンジャー」、エンディングテーマの「秘密戦隊ゴレンジャー」、どちらも耳なじみのよい名曲ですが、特に後者の「バンバラバンバンバン……」はインパクト抜群。このようなスキャットの活用は「宙明サウンド」の大きな特徴になっています。
　「野球狂の詩」の「チュチュチュ」もかなり意外性のあるスキャットだったと思います。このアニメは女性プロ野球選手の誕生という斬新なストーリーを描いているわけですが、それだけに歌詞のないスキャットのみの型破りな主題歌がよく似合っていたのではないでしょうか。
　渡辺宙明さんがスキャットの着想源として挙げていたのがスウィングル・シンガーズ。パリで結成された8人編成のアカペラ・ヴォーカル・グループです。バッハの平均律クラヴィーア曲集や管弦楽組曲のような名曲を、スキャットによりジャズのスタイルを取り入れて歌うというアイディアで一世を風靡しました。「ダバダバ……」とスキャットで歌われるモーツァルトの交響曲第40番などもありました。BGMで耳にしたことがある方も多いことでしょう。
　それにしても「鋼鉄ジーグのうた」でこれほどまでにスキャットが多用されていたとは。「ダンダダダン」や「バンバンババン」と濁点の連続で力強く畳みかけてきます。「ハニワ幻人」など一蹴してしまいそうな迫力がありましたね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は音楽で夏の季節感をたっぷりとお楽しみいただきました。やはり夏は思い出の多い季節なのでしょうか、ノスタルジーを喚起する曲がたくさんありましたね。
　最初に石丸さんが歌ったのは「ラジオ体操の歌」。子どもの頃、夏休みに聴いた曲といえばこの曲でしょう。最近はラジオ体操の習慣がなくなっている地域も多いようですが、毎朝、眠い目をこすりながら学校の校庭に通ってスタンプをもらっていたのを思い出します。今回のアレンジではスティールパンがさわやかな南国気分を醸し出していました。こんな演奏を聴けるのなら、早起きも苦にならなかったかも？
　「日本の夏のうたメドレー」で演奏されたのは、村治佳織さんのギターによる「浜辺の歌」、伊澤陽一さんのスティールパンによる「椰子の実」、廣津留すみれさんのヴァイオリンによる「夏の思い出」。新鮮なアレンジで生まれ変わった日本の夏といった趣でしたが、やはり郷愁をかきたてられます。
　あいみょんの「マリーゴールド」は、ギターとストリングスによる演奏で。この曲も夏の情景が描かれています。「淡い青空とマリーゴールドの花の黄色を思い浮かべた」という村治さんの演奏は、清爽かつ情感豊か。ストリングスが加わったことで、ぐっとドラマティックな音楽になっていました。
　ピアソラの「ブエノスアイレスの四季」より「夏」では、廣津留さんのヴァイオリンが切れ味鋭くエネルギッシュ。ピアソラは劇付随音楽としてこの「夏」を作曲した後、「春」「秋」「冬」を書いて、「ブエノスアイレスの四季」と題した曲集に仕立てました。もともとはバンドネオン五重奏団のために書かれた曲でしたが、「リベルタンゴ」や「アディオス・ノニーノ」といった他のピアソラの名曲同様、クラシックの演奏家にも好んで演奏されています。
　最後の「東京音頭」は豪華出演者陣が一堂に会しての演奏でした。ゴージャスでしたね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は「もしもの音楽会」の第3弾。前回好評だった「もしも漫才を音楽にしたら」をさらに拡大して、3組の漫才を川島素晴さんに音楽化していただきました。これはもう神技といってもいいかもしれません。川島さんも、演奏者のみなさんもすごすぎます！
　なにより驚くのは、3曲それぞれが音楽として聴けるということ。どんな種類の音楽にも奏者と奏者の対話性があると思うのですが、もともとの漫才にある対話性がそのまま写し取られているから、音楽として成立するのでしょう。元ネタとなっている漫才をまったく知らなくても、3曲からそれぞれ異なるキャラクターを感じ取ることができると思います。
　「もしもミルクボーイの漫才を音楽にしたら」は、「コーンフレーク」の部分の服部さんのヴァイオリンが秀逸で、頭にこびりつきそう。曲だけ聴いたときはピアノの下降グリッサンドがなんだろうと思ったのですが、漫才の映像を見て納得。「あー、コーンフレークと違うか」の「あー」のがっかり感に対応していたんですね。
　「もしもカミナリの漫才を音楽にしたら」は川島さんの「茨城弁にジャズの雰囲気を感じる」という言葉通り、スイング感がありました。パーカッションが効果的で、ヴァイオリンの鋭いツッコミも実に鮮やか。
　「もしも錦鯉の漫才を音楽にしたら」では多久さんのフルートが大活躍。漫才を見なくても、音楽そのものにユーモアがあって、つい聴いていて笑ってしまいます。言葉抜きでギャグって伝わるんですね。
　最後に演奏されたのはショパンの「別れの曲」の2.5倍速バージョン。なにか明るい希望が感じられるというか、浮き立つ気分が伝わってきます。「別れの曲」の題は映画に由来するものですから、本来ショパンとは無関係。自筆譜の段階ではVivace（ヴィヴァーチェ　活発に速く）と指示されていたのですから、こんな「もしも」もあり得たかもしれません。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

クラシック音楽の世界では作品がだれそれに献呈されたという記述をよく見かけます。献呈相手になるのは当時の権力者やパトロンだったり、あるいは名演奏家や友人だったりと、パターンはさまざま。今回はそんな捧げるという行為から、名曲の背景に迫ってみました。
　大まかな傾向として、古い時代の作曲家たちの献呈先は経済的あるいは社会的な事情が反映されていると言ってよいと思います。たとえば、ベートーヴェンの最初の交響曲はパトロンのファン・スヴィーテン男爵に捧げられています。これから世に出る新進作曲家が作品を自分の支援者に捧げるというのは自然なことでしょう。交響曲第3番「英雄」は当初ナポレオンに捧げようとしたものの、ナポレオンへの失望から献呈を取りやめたという逸話もよく知られています（結局は支援者のロブコヴィツ侯爵に献呈されました）。
　それに比べると、後のロマン派の作曲家たちは作曲家同士で曲を献呈したり、妻に捧げたりと、個人的な関係にもとづく例が目立ちます。音楽家という職業のあり方が、権力者に仕えるものから、自立したものに変化していったことのあらわれといってもいいかもしれません。シューマン、リスト、ショパンらが互いに作品を献呈し合っているというお話がありましたが、同世代のライバルたちが切磋琢磨している様子が伝わってきて、すてきなエピソードですよね。
　最後に演奏されたのはフランクの代表作、ヴァイオリン・ソナタ。友人のヴァイオリニストであるイザイ（作曲家としても有名です）の結婚を祝って捧げられました。阪田さんいわく「ヴァイオリン・ソナタのなかでいちばん好きな曲」。フランクはベルギーのリエージュに生まれ、フランスで活躍した作曲家です。今年生誕200年を迎え、あらためて注目が集まっています。実はイザイも同じくリエージュの出身。フランクはパリに移り住んできた同郷の若き才能にこの傑作を贈り、イザイは演奏を通して作品の真価を世に広めたのです。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

木琴ほど「知っているようで知らない楽器」と呼ぶにふさわしい楽器はないかもしれません。おもちゃの楽器や教育用楽器として触ったことのある方は多いはず。でも、シロフォンとマリンバの2種類の違いがなにかと言われると考えこんでしまいます。番組冒頭で演奏された「チョップスティック」でわかりやすく比較されていましたが、乾いたシャープな音がシロフォン、柔らかく深みのある音がマリンバなんですね。
　シロフォンがヨーロッパ出身、マリンバがラテンアメリカの出身の楽器だというお話も興味深いと思いました。どちらかといえば身近に感じていたのはマリンバのほうだったのですが、よく考えてみると、クラシックの有名曲で出番が多いのはシロフォンのほう。サン=サーンスの「動物の謝肉祭」や「死の舞踏」、ショスタコーヴィチの交響曲第5番、ストラヴィンスキーの「火の鳥」、ブリテンの「青少年のための管弦楽入門」など、みんなシロフォンが使われています。マリンバですぐに思いつくのはライヒの「ナゴヤ・マリンバ」など、現代の曲が多いような気がします。
　カバレフスキーの「道化師のギャロップ」やハチャトゥリャンの「剣の舞」といった曲は、運動会でもよく使用される曲です。シロフォンの歯切れよく軽快な響きが運動会にぴったりということなのでしょう。カバレフスキーはもともとは児童劇のための組曲として「道化師」を作曲しました。そう考えると学校の運動会に使われるのも無理はないのかも。一方、ハチャトゥリャンの「剣の舞」はバレエ「ガイーヌ」の一場面。こちらはサーベルを持った戦いの踊りを表現した音楽です。後ろから追い立てられるようなムードがあって、やはり体を動かしたくなります。
　「実験！もしもシロフォンでヴェルディのレクイエムを演奏したら？」には爆笑。あの重々しく恐ろしい音楽が、すっかり陽気な音楽に変身していました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

6月といえば「ジューン・ブライド」。古くから欧米では6月に結婚すると幸せになれるという言い伝えがあります。一説によれば、6月は結婚と女性の守護神とされるジュノー（＝ギリシア神話でのヘラ、主神ゼウスの妻）にちなむ月であることから、そのように言われるようになったそうです。今回はウェディングをテーマに、一流音楽家のみなさんにドアの向こうの仮想現実のなかで演奏していただきました。
　オルガニストの石丸由佳さんが演奏したのはメンデルスゾーンの「結婚行進曲」。よく耳にする有名な「結婚行進曲」には2種類あります。ひとつがこちらのメンデルスゾーン。晴れやかな曲想で有名ですよね。シェイクスピアの「夏の夜の夢」の上演に際して作曲されました。もうひとつはワーグナーがオペラ「ローエングリン」のために書いた「結婚行進曲」。こちらはゆっくりと歩くような曲調で、新郎新婦入場の場面でよく使われます。実用性が高いのがワーグナー、気分が盛り上がるのがメンデルスゾーンと言えるでしょうか。
　ピアニストの萩原麻未さんとヴァイオリニストの成田達輝さんは「ハウルの動く城」より「人生のメリーゴーランド」を演奏してくれました。著名音楽家同士のカップルとして話題を呼んだおふたりですが、プロポーズにそんなロマンチックな逸話があったとは。本当に素敵なおふたりだと改めて感じます。
　ソプラノの鈴木玲奈さんが歌ったのは讃美歌429番「あいの御神よ」。清澄な歌声は軽やかでいて厳かでもあり、軽井沢高原教会にぴったりの雰囲気だったと思います。緑に囲まれた外観といい、木の温もりが感じられる内部の空間といい、本当に美しい場所で、讃美歌に心が洗われるようでした。
　スイスを拠点にするチェリストの新倉瞳さんはアルプス湖畔を舞台にユダヤの伝承音楽をルーツに持つ「ウェディング・ホラ」を演奏してくれました。クラリネットはコハーン・イシュトヴァーンさん、アコーディオンは佐藤芳明さん。クラシックとは一味違った濃厚な味わいがありましたね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は先週に引き続いて、檀れいさんと水谷豊さんをゲストにお招きして、オーケストラの魅力に迫りました。指揮は「炎のマエストロ」の愛称でおなじみ、小林研一郎さんでした。
　さまざまな個性を持ったプレーヤーたちが一堂に会することから、よく「オーケストラは社会の縮図」と言われますが、水谷監督の映画「太陽とボレロ」でも、オーケストラのメンバーたちがその楽器にふさわしいキャラクターで描かれています。オーボエ奏者がリードを削っている姿が映像にありましたが、いかにも職人的な気質が伝わってきます。
　そんな水谷監督にとって忘れられない名曲が、映画のタイトルにもなっているラヴェルの「ボレロ」。小太鼓が延々とボレロのリズムを刻む中で、各々の楽器が順々にメロディを受け継ぎ、曲全体で大きなクレッシェンドが築かれます。マエストロいわく、「ボレロはそれぞれの楽器が自分の人生を語り尽くす」。輪廻転生にたとえて表現していたのが興味深かったですよね。
　今ではラヴェルの代表作として知られる「ボレロ」ですが、曲は急場しのぎから誕生しました。親交のあるダンサーから「スペイン風のバレエ音楽を書いてほしい」と依頼されたラヴェルは、当初、スペインの作曲家アルベニスのピアノ曲「イベリア」をオーケストラ用に編曲するつもりでした。ところが諸般の事情から、バレエ初演の直前に編曲を断念し、自分のオリジナル曲を書くことになってしまいます。短期間で新曲を書けるのかと気を揉む依頼者に対して、ラヴェルは「ごく単純な譜面を考えるほかない」と言い、急いで「ボレロ」を書きあげました。
　なるほどパターンの反復で曲ができているという点では単純かもしれませんが、音色の多彩な変化が豊かな表情を生み出し、退屈する瞬間はまったくありません。生前のラヴェルはこの曲がオーケストラのレパートリーに定着するとは思っていなかったそうですが、今ではラヴェルの最高の人気作となっています。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

6月3日より公開される水谷豊監督の映画「太陽とボレロ」では、アマチュアオーケストラを巡るさまざまな人間模様が描かれます。今回はこの映画で主演を務める檀れいさんと水谷豊監督をゲストにお招きして、オーケストラの魅力を指揮者の小林研一郎さんとともにお届けしました。
　小林研一郎さんといえば「炎のマエストロ」の愛称でおなじみ。今や大巨匠となったマエストロですが、その情熱は衰えることがありません。音楽は熱い一方で、お人柄は誠実で謙虚とあって、絶大な人気と尊敬を集めています。「オーケストラのみなさまは天才の集団なのです。そういう方々のじゃまをしないのが指揮者の役割です」とにこやかに話していましたが、これほどの大家にしてこの言葉。なかなか聞けるものではありません。
　最初に演奏されたのはビゼーの組曲「アルルの女」より「ファランドール」。この曲はアルフォンス・ドーデの戯曲を上演するにあたってビゼーが作曲したものです。田舎の富農の息子が都会の見知らぬ女（アルルの女）に恋をしたことから身の破滅を招くという悲しい物語なのですが、「ファランドール」は元気いっぱいの踊りの音楽。ビゼーが早世した後、親友のギローがオーケストラ用の組曲に仕立てました。2種類の民謡が組み合わされて、熱狂的なクライマックスへと至る様子は迫力満点です。
　「ベルサイユのばら」より「薔薇は美しく散る」は、檀れいさんと石丸幹二さんのデュエットで。オーケストラの厚みのあるサウンドとおふたりの声がきれいに溶け合って、とてもゴージャスなサウンドが生まれていました。マエストロもなんだか嬉しそうに見えましたよね。
　最後はマエストロの十八番、ベートーヴェンの交響曲第7番より第2楽章。かつてワーグナーはこの楽章を「不滅のアレグレット」と称えましたが、その逸話を思い出させるような絶美の名演だったと思います。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）