今週はドイツを拠点に活躍する国際的なピアニスト、小菅優さんをお招きして、モーツァルト、ベートーヴェン、ショパンのピアノ・ソナタをお楽しみいただきました。3曲のピアノ・ソナタは、小菅さんが「このソナタなくして今の自分はない」とおっしゃる思い入れのある作品ばかり。これら3曲のイメージを小菅さん独自の言葉で表現してもらえたのもおもしろかったですよね。
　モーツァルトのピアノ・ソナタ ハ長調K.330の第1楽章は、小菅さんいわく「失われた幸せ」。なるほど、そういう表現ができるのかと、思わず膝を叩きました。この曲の喜びと悲しみが入り混じった陰影の豊かさはモーツァルトならでは。一見明るくはつらつとした曲調であっても、モーツァルトの音楽には複雑な表情があります。そこに儚さを見抜くのが小菅さん。ニュアンスに富んだすばらしいモーツァルトでした。
　ベートーヴェンは近年小菅さんが力を入れる大切なレパートリー。ピアノ・ソナタ第17番ニ短調には「テンペスト」（嵐）という愛称が付いています。これはベートーヴェン本人による題ではありません。ベートーヴェンの秘書シントラーが作品理解について尋ねたところ、ベートーヴェンは「シェイクスピアの『テンペスト』を読みなさい」と答えた、という逸話に基づいています。ところがシントラーという人はたくさん自分に都合のよいウソをついた人物でしたので、現代ではこの逸話は眉唾ものとみなされています。小菅さんが「テンペスト」第3楽章に感じるイメージは「遁走」。たしかにこの曲にはなにかに追い立てられているような切迫感があります。
　最後はショパンのピアノ・ソナタ第3番の第4楽章。小菅さんはこの音楽に「葛藤の後の救済」を感じるといいます。このように言葉にしてもらえると、曲がいっそう親しみやすく感じられます。パッションにあふれた演奏が雄弁な音のドラマを伝えてくれました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

若い演奏家たちから共演のオファーが次々と舞い込んでいるという林英哲さん。今週は林英哲さんがふたりの若手奏者と共演する異色のデュオをお届けいたしました。
　和太鼓が西洋楽器とデュオを組むことはきわめてまれなこと。どんなレパートリーがあるのか、記憶をたどっても思い当たる曲がありません。今回、林英哲さんと共演したチェロの新倉瞳さんと、サクソフォンの上野耕平さんは、それぞれ新曲を作曲家に委嘱してデュオを実現しました。
　新倉さんが演奏したのは和田薫さん作曲の「巫（かんなぎ）」より。先頃、すぐれた若手チェリストを表彰する齋藤秀雄メモリアル基金賞を受賞した新倉さんですが、デビューが早かったこともあり、今年デビュー15周年を迎えます。チャレンジ精神の旺盛な新倉さんは、この15周年を機に委嘱作品を集めて世界初演を行うコンサートを開きました。「巫」はその際に初演された一曲。巫とは神霊と交わる巫師、シャーマンのこと。祈祷を思わせるチェロの旋律に、英哲さんの神楽鈴と素手で叩く太鼓のリズムが加わると、名状しがたい厳粛な雰囲気が立ち込めます。活発な部分でのチェロと太鼓の応酬も聴きごたえがありました。新倉さんが神楽鈴を鳴らす場面にはびっくりしましたね。
　上野さんは、ロンドンを拠点とする作曲家、藤倉大さんにサクソフォンと太鼓のための「ブエノ・ウエノ」を委嘱しました。藤倉さんはヨーロッパの第一線で大活躍中の作曲家。ザルツブルク音楽祭やルツェルン音楽祭、BBCプロムスなどからも作品を依頼され、昨年は東京の新国立劇場で新作オペラ「アルマゲドンの夢」が世界初演されました。そんな藤倉さんの「ブエノ・ウエノ」は、日本的なようでもあり無国籍風でもあり、古代の儀式を連想させつつも現代の都会的な感覚も息づいているという、複雑な味わいを持った作品でした。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は和太鼓、ロックドラム、ラテンパーカッションという、ジャンルの異なる打楽器奏者のみなさんにお集まりいただきました。林英哲さん、真矢さん、伊波淑さん、それぞれまったく異なる種類の打楽器なので、はたして共演が可能なのだろうかと思いきや、最初の「一番太鼓」から、ひとつに溶け合った音色が聞こえてきました。
　三人のお話を聞いていると、打楽器奏者は音楽家のなかでももっともアスリート的な存在だと感じます。林英哲さんが言うように「演奏自体が筋トレ」。腕の筋肉がすごい！ 太鼓の叩き方を真矢さんに教える場面がありましたが、ダイナミックな構え方からして、スポーツ選手のフォームのようです。アイシングの話など、肉体的なケアに気づかうところもやはりアスリート的です。
　おもしろかったのは伊波さんによるコンガの叩き方についての解説。本場のキューバ人奏者たちが腕を叩きつけるように振り下ろすのに対し、日本人は手首のスナップを使った叩き方が合っていると言います。よく海外のクラブに移籍した日本人サッカー選手が、フィジカルの強さで競うよりも、日本人のアジリティを生かしたプレイで勝負するといった話がありますが、それに一脈通じるところがあると思いました。
　最後に3人で演奏したのは、「運命」～打楽器スペシャルセッション。あのベートーヴェンの交響曲第5番「運命」を打楽器だけで演奏してしまおうというチャレンジでした。「運命」で全曲にわたってくりかえし登場するのが、「運命の動機」として知られる「タタタターン」のリズム。打楽器だけで演奏しているにもかかわらず、なんと、ちゃんとメロディが聞こえてきます！ 各々の打楽器がソロを披露する様子は、まるで協奏曲のカデンツァのよう。このパッションはまさにベートーヴェン。打楽器の表現力の豊かさを痛感しました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は番組2700回放送を記念する3週連続スペシャルの第3弾。今回は「新たな音楽の発掘を楽しむ企画」をテーマにお届けしました。
　葉加瀬太郎さんによる「題名プロ塾」で一躍脚光を浴びたのがヴァイオリニストの林周雅さんです。番組を見た反田さんからコンサートツアーのメンバーに招かれたり、原田慶太楼さんから東京交響楽団の演奏会に呼ばれるなど、引く手あまたの人気ぶりです。葉加瀬さんに見出されてポップスのほうに行ってしまうのかと思えば、クラシックでも着実に活動の場を広げる林さん。ポップスでもクラシックでも第一線で活躍できるヴァイオリニストへと大きく育ってくれることでしょう。
　「マイ・ハート・ウィル・ゴー・オン～タイタニック・愛のテーマ～」では、Toshlさん、石丸幹二さんのヴォーカルに、林さんのヴァイオリン、山中惇史さんのピアノ、宮田大さんのチェロが加わるという夢の共演が実現しました。Toshlさんの輝かしい声と石丸さんの温かみのある声がひとつに溶け合うと、絶妙な音色が生まれてきます。映画「タイタニック」主題歌としてセリーヌ・ディオンが歌って大ヒットを記録した曲ですが、映画の公開は1997年ですので、もう24年も前になるんですね。古びることのない名曲だと思います。
　7人制吹奏楽「ブリーズバンド」は番組発の新しいスタイルの吹奏楽。7人だからこそ、全員が主役になれるのが特徴です。大人数で演奏するばかりが吹奏楽ではありません。今から約100年前、第一次世界大戦とスペイン風邪の影響でヨーロッパの音楽界が苦境に立たされた際、作曲家ストラヴィンスキーは7人編成の小アンサンブルと朗読、ダンサーで上演可能な「兵士の物語」を作曲しました。これは感染対策というよりは経済的に可能な小編成を意図したものですが、たまたま7人という人数はブリーズバンドと同じ。「兵士の物語」が時代を超える名曲になったように、ブリーズバンドもパンデミックを超えて発展する可能性を持っているのではないでしょうか。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週は番組2700回放送を記念する3週連続スペシャルの第2弾。「演奏家や楽器を新たな組み合わせで楽しむ」をテーマに、ふだんは聴けない新鮮なデュオをお届けいたしました。
　最初の曲はToshlさんと村治佳織さんによる「ネッラ・ファンタジア」。「クラシックギター一本で歌うのは初めて」とおっしゃるToshlさんでしたが、のびやかでパワフルな歌唱と情感豊かなギターが無理なくひとつに溶け合っていました。エンニオ・モリコーネが作曲した「ネッラ・ファンタジア」の原曲は、映画「ミッション」で使用された「ガブリエルのオーボエ」。もともとは器楽曲なんですね。これに歌詞を付けてサラ・ブライトマンが「ネッラ・ファンタジア」の題で歌ったことから、曲はさらなる人気を獲得し、以来、多数の歌手によってカバーされています。ひとつの楽曲がさまざまに形を変えながら広まってゆくのは名曲の証でしょう。
　2曲目はソプラノの森麻季さんとチェロの宮田大さんによる「ジュピター」。声とチェロの組み合わせは絶品でした。この曲も「ネッラ・ファンタジア」と同様に、同じ曲が形を変えながら親しまれています。原曲はイギリスの作曲家ホルストが書いたオーケストラ曲、組曲「惑星」の第4曲「木星」。ホルストはこのメロディに歌詞を添えて、祖国を讃える賛歌に編曲しました。その後、この曲はイギリスで賛美歌集にも収録され、原曲を離れていろいろな場面で歌われるようになります。日本では平原綾香さんがカバーしたことで、いっそうの人気を獲得しました。
　反田恭平さんは同世代のピアニスト、務川慧悟さんと共演。務川さんは2019年ロン＝ティボー＝クレスパン国際コンクール第2位をはじめ、数々の国際コンクールで受賞歴を誇る気鋭です。ラフマニノフの組曲第2番は、あの有名なピアノ協奏曲第2番と同時期の作品。ラフマニノフ得意の鐘の音を思わせる荘厳な響きによる輝かしい行進曲でした。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

番組放送2700回を記念した3週連続スペシャル、その第1週となる今回は「クラシック音楽を新たなアングルから楽しむ」がテーマ。人気シリーズ「もしも大作曲家たちが日本のポップスをアレンジしたら……」のスペシャル・バージョンとして、Toshlさんのヴォーカル、原田慶太楼さんの指揮、反田恭平さんのピアノ、宮田大さんのチェロ、上野耕平さんのソプラノサクソフォンという豪華メンバーの共演が実現しました。
　曲は「もしもリストがMISIAのEverything をアレンジしたら？」。このシリーズでは毎回、萩森英明さんの巧みなアレンジに耳を奪われてしまうのですが、今回もリストとMISIAが自然に融合して、新たな世界を作り出していました。リストの「愛の夢」のメロディで始まって、スムーズにEverythingへ。Toshlさんの輝かしい声に、ピアノ、チェロ、サクソフォンの音色が絶妙のバランスで重なり合います。
　後半はドニゼッティ作曲のオペラ「ランメルモールのルチア」から、第1幕の二重唱の場面をお聴きいただきました。森麻季さんが主人公のルチア、西村悟さんはその恋人役のエドガルドです。ふたりは結婚を誓いますが、これは許されざる恋。領主であるルチアの兄は、家の安泰のためにルチアを政略結婚させようと考えていたのに、ルチアは一家の宿敵エドガルドと愛し合ってしまった……という筋立てのオペラなのです。だから、ふたりの二重唱には甘い思いだけではなく、葛藤や決意など、いろいろな感情が入り混じっていました。
　ちなみにこのオペラ、ふたりの運命はどうなるのかと言いますと、とても辛い結末が待っています。ルチアの兄が「エドガルドが心変わりをした」というニセの手紙を捏造したため、ルチアは政略結婚を受け入れてしまうのです。しかし、結婚式当日の夜、ルチアは悲しみのあまり錯乱し、夫を刺し殺した末に、自らも世を去ります。名作ですので、機会があればぜひご覧ください。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

昨年、「題名プロ塾」の葉加瀬太郎さんによるオーディションで見事に合格を果たしたヴァイオリニスト、林周雅さんがついに葉加瀬さんのコンサートツアーでデビューを果たしました。NHKホールで記念すべき第一歩を踏み出した林周雅さん。演奏後に見せてくれた達成感にあふれた表情が実に印象的でした。これからのさらなる活躍に期待が高まります。
　音楽大学を出てもプロの音楽家として食べていけるのは、ほんの一握りだけ。葉加瀬さんがプロを目指すための実践的なアドバイスをいくつも話してくれましたが、至るところに金言が散りばめられていたと思います。葉加瀬さんが重視するのは「クラシックだけではなくポップスも演奏できること」。同じヴァイオリンであっても、クラシックとポップスでは求められるものがずいぶん違うのだなと感じます。リハーサルが1時間しかなかったり、当日の集合先で初めて譜面を渡されたりといったことは、リハーサル段階での完成度を重視するクラシックの世界では、なかなか経験しがたいことだと思います。
　リハーサルの場面で羽毛田丈史さんが要求していた「一定のテンポからあえてはみ出してバンドの音のうねりに乗って演奏する」というお話も興味深いものでした。ポップスの場合、クリックと呼ばれるメトロノーム音をイヤホンで聞きながら演奏しているので、常に全員がこれにぴたりと合わせているのかと思いきや、そうではないんですね。葉加瀬さんは「クリックと遊ぶ」と表現していましたが、こういった即興性から音楽のうねりが生まれてくるのでしょう。演奏を通じてプレーヤー同士が対話するという点では、ポップスもクラシックも同じと言えるかもしれません。
　「題名プロ塾」第2弾も、引き続き葉加瀬さんの講師で開催されます。次はいったいどんな才能とキャラクターを持った若者があらわれるのか、楽しみですね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

長引くウイルス禍のなか、旅を恋しく感じている方も多いことでしょう。今回は日本を代表する演奏家のみなさんによる、音楽と絶景の旅の第2弾。ドアの向こうに広がる架空の旅に誘ってくれました。
　「紅蓮華」を弾いたのはNHK交響楽団でも活躍するヴァイオリニスト、大宮臨太郎さん。普通であればピアノの伴奏が付くところでしょうが、舞台はだれもいない深い森。無伴奏によるたったひとりの「紅蓮華」はとても技巧的で、超然とした雰囲気がありました。カッコよかったですよね。
　尺八の藤原道山さんとハープの景山梨乃さんは、スウェーデンのアイスホテルを舞台に「レット・イット・ゴー ～ありのままで～」を共演。「アナと雪の女王」に出てきたエルサの氷の城を思い出さずにはいられません。このアイスホテルはスウェーデン北部のラップランドにある実在するホテルです。凍った川から掘削した氷と雪を用いて建設されています。毎年12月に新しく建てられ、4月には溶けてなくなるのだとか。氷のベッドの上で寝袋に入って寝るそうなのですが、どんな体験になるのか、想像もつきません。
　村治佳織さんが演奏したのは自作の「島の記憶～五島列島にて～」。五島列島を訪れた旅の経験から生まれた作品です。頭ヶ島天主堂を背景に、清澄で心地よい音楽が奏でられました。ほのかなノスタルジーも漂ってきて、旅情をそそります。
　チクワを吹く動画がSNSで爆発的に拡散されたのが、フルートの多久潤一朗さん。今回は本職のフルートでウィンナワルツの名曲「春の声」を演奏してくれました。しかしそこは多久さん、並の演奏ではありません。スラップ・タンギング、重音奏法、フラッター・タンギングといった特殊奏法が満載。ついにはフルートを縦にして吹くという、まさかの荒業が！ フルートって、あんなところから吹けるんですね……。ヨハン・シュトラウス2世も草葉の陰で喜んでいることでしょう。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

好評の「ひねりすぎシリーズ」、今回はさまざまな角度から「ひねりすぎた」ピアノをご紹介いたしました。どれもびっくりするようなピアノばかりでしたが、大きく分けると、既存のピアノを普通ではない方法で用いたものと、楽器そのものを進化させたものがあったと思います。
　普通ではないピアノの使い方で、もっともインパクトがあったのは、「ピアノ・ヴァーティカル」（垂直ピアノ）。スイスのアラン・ロシュさんは、クレーンで高所に吊るされたグランドピアノを演奏して話題を呼ぶ作曲家・ピアニストです。安全対策は施されているのでしょうが、映像で見ているだけでも落ち着かない気分になります。奏者自身が特殊な環境に身を置くことで、聴衆と音楽の関わり方が変化するというのが狙いなのでしょう。なにげないフレーズの反復からもひりひりするような緊迫感が漂ってきます。
　山下洋輔さんは「燃えるピアノ」をこれまでに2度、演奏しています。1度目は1973年。グラフィック・クデザイナーの粟津潔さんの依頼で燃えるピアノを演奏し、その様子は実験映像「ピアノ炎上」として作品化されました。それから35年の時を経て、金沢21世紀美術館の「荒野のグラフィズム：粟津潔展」を機に、粟津潔さんゆかりの地である能登の海岸で、ふたたび燃えるピアノと対峙したのが今回ご紹介した映像です。その記録映像は「ピアノ炎上2008」として、同美術館の収蔵作品となりました。一連の行為そのものがアートとして残されているんですね。
　ローランドの「ファセット・グランド・ピアノ」やスタインウェイ＆サンズの「スピリオ」は、ピアノの進化形といってもいいかもしれません。ピアノはもともと技術の発展とともに姿を変えてきた楽器です。ベートーヴェンやショパンの時代には、音域の拡大や音量の増大など、数々の改良が施されてきました。現代のITを駆使することでピアノがさらなる進化を遂げても不思議ではないでしょう。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

今週はビートルズの名曲を和楽器による独自のアレンジでお楽しみいただきました。ビートルズが解散して昨年で50年。もうそんなになるんですね。半世紀を経ても色褪せない名曲は、もはや20世紀のクラシックと呼んでもいいかもしれません。
　「イエスタデイ」で用いられたのはメタル尺八でした。なぜ普通の尺八ではなくメタル尺八なのか、藤原道山さんの説明を聞いて納得。竹でできた尺八は一本一本が異なるのに対し、メタル尺八であれば5本で正確なハーモニーを生み出すことができます。編曲者のザック・ジンガーはニューヨーク在住の尺八奏者。実はサックスやクラリネット、フルートも演奏するというマルチ楽器奏者です。メタル尺八の音色はフルートやリコーダーを思わせつつも、やはり日本的な情緒があって、清涼感と幽玄さが一体になった独特のテイストを生み出していました。
　「オブ・ラ・ディ、オブ・ラ・ダ」は珍しい箏五重奏で。編曲は冷水乃栄流（ひやみず・のえる）さん。昨年の芥川也寸志サントリー作曲賞で最終候補に残るなど、近年注目を集める若手作曲家です。箏からこんなに軽やかで、色彩感豊かな響きが生まれてくるとは。
　「デイ・トリッパー」は笙と十七絃のためのアレンジ。日本人ならだれもが耳にしたことのある笙ですが、じっくりと曲を聴く機会はなかなかありません。十七絃との組合せからは意外にもモダンな音色が聞こえてきます。編曲は三宅一徳さん。カッコよかったですよね。
　「ヘイ・ジュード」は11人の和楽器奏者によるアンサンブル。こちらも編曲は三宅一徳さん。ほとんどオーケストラと言ってもよいくらいの厚みのある編成から、カラフルなサウンドが生み出されていました。いろいろな楽器がソロを務めるところは、バロック音楽の合奏協奏曲を連想させます。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）