今週は鈴木優人さんとバッハ・コレギウム・ジャパンの演奏でベートーヴェンとメンデルスゾーンの名曲をお楽しみいただきました。
　バッハ・コレギウム・ジャパンは、バッハが生きていた時代の楽器を用いて演奏する団体として知られています。このようなピリオド楽器を用いた演奏は1980年代ごろから盛んになり、各地でいくつものオーケストラが結成されました。日本ではバッハ・コレギウム・ジャパンが1990年に設立され、国際的に高い評価を得ています。今回はバッハよりも新しい時代の作曲家、ベートーヴェンとメンデルスゾーンの作品にチャレンジしました。
　多くの場合、楽器は現代に近くなるほど、音域が広がったり、出せる音が増えたり、音量が大きくなるなど、さまざまな発展を遂げています。現代の楽器のほうが機能性は増していると言えるでしょうが、一方で作曲家が思い描いていた音とは違ったものになっていることは否めません。ピリオド楽器を用いたオーケストラは、作曲家が想定していた音を再現することで、作品のメッセージになるべく近づこうとしているのです。
　弦楽器の弦は羊の腸を用いたガット弦が用いられているというお話がありました。現代ではスチール弦やナイロン弦が広く使われています。優人さんの説明にあったように、ガット弦は「スピーチ、発音が強い」。音が出る瞬間にひっかくようなニュアンスがあります。ベートーヴェンの「運命」にその違いが感じられたのではないでしょうか。
　メンデルスゾーンの「夏の夜の夢」では、オフィクレイドという金管楽器が登場しました。現代ではテューバで代用されることがほとんどですが、聴き比べるとその音色の違いは一目瞭然。テューバのふっくらとした音色に対して、オフィクレイドはもっとシャープで、鼻にかかったような甘い音色が特徴的です。メンデルスゾーンはこんな音をイメージしていたんですね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は60周年記念企画第5弾として、バッハ・コレギウム・ジャパンの創設者で音楽監督の鈴木雅明さんと首席指揮者の鈴木優人さんの親子をお招きしました。優人さんにはたびたび番組に出演していただいていますが、お父さんの鈴木雅明さんは今回が番組初登場。バッハ・コレギウム・ジャパンとともに、バッハの名曲をお届けしました。
　バッハ・コレギウム・ジャパンは国際的にも高く評価されている古楽アンサンブルです。バッハが生きていた当時の楽器を用いたオーケストラと合唱団からなる古楽のスペシャリストで、ロンドン、パリ、ウィーンなど、ヨーロッパの主要都市でも公演を行い、絶賛を博しています。これまでにリリースしたCDは100タイトル以上。そして、これらのCDはスウェーデンのBISというレーベルからリリースされています。BISは意欲的な活動をする中堅レーベルとしてクラシック音楽ファンにはよく知られていますが、彼らが早くからバッハ・コレギウム・ジャパンの実力を認め、大規模なレコーディング・シリーズを敢行したことで、バッハ・コレギウム・ジャパンはヨーロッパで多数の聴衆を獲得するようになりました。こんなふうに日本のアンサンブルでありながら、本場ヨーロッパのレーベルが主体となって継続的に録音をリリースしている例はほとんどありません。
　バッハは音楽一家として知られ、息子たちも父親に並ぶ名声を築きましたが、そんなバッハの音楽を演奏するバッハ・コレギウム・ジャパンもまた、鈴木親子により牽引されています。若い頃から優人さんが少しずつ活躍の場を広げ、やがて成長して首席指揮者となり、他のオーケストラにも客演するようになる姿を、ずっと見守ってきたファンも多いことでしょう。まるで現代のバッハ親子のように思ってしまいますが、今回なにより驚いたのは、雅明さんが決して教育パパではなかったというお話。お父さんが優人さんを自らの後継者とすべく育てたのではなく、優人さんが自ら音楽家への道を歩んだのだということに深く感銘を受けました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　曲は知っているけど、作曲家の名前は出てこない。よくあることですよね。今週は、そんな気の毒な作曲家たちの名前を覚えてもらうための好評企画第3弾。小中学校の教科書に登場する曲から選んだ5曲をみなさんに聴いていただき、作曲者名をお尋ねしました。
　ハンガリー舞曲第5番を聴いて、作曲者がブラームスだと答えてくれたのは50人中8人。少ないといえば少ないですが、なかなか健闘しているとも言えるのでは。オーケストラのコンサートではよくアンコールで演奏される曲です。
　「ペールギュント」第1組曲から「山の魔王の宮殿にて」の作曲者は、ノルウェーのグリーグ。50人中6人がグリーグの名前を答えてくれました。この曲はテレビドラマや映画、スポーツシーンなどでもよく使われます。緊迫感があり、だんだんと曲調が激しくなってくるのは、これがピンチの場面を描いた音楽だから。主人公ペールが山奥で出会った女性に求婚したところ、なんと、その父親は山の魔王（トロールの王）。結婚を許すから人間をやめてトロールになれと命じられて、慌てて逃げ出す場面の音楽です。
　オペラ「カルメン」は名曲の宝庫。今回は「前奏曲」をとりあげましたが、ほかにも「闘牛士の歌」や「ハバネラ」などもよく知られています。作曲者ビゼーの名を答えてくれたのは50人中5人のみ。
　オペラ「トゥーランドット」から「誰も寝てはならぬ」が日本で広く知られるようになったのは、2006年トリノオリンピックのフィギュアスケートがきっかけです。荒川静香さんの金メダル獲得が大きな話題になり、その際に使用されていた「誰も寝てはならぬ」は一躍人気曲になりました。作曲者プッチーニの名を答えられたのは50人中3人。意外と少ないですね。
　おしまいは運動会の名曲、「クシコスポスト」。作曲者ネッケの名を答えられた人はひとりもいませんでした。これは無理もありません。ネッケが話題になることはまずないこと。教科書に名前が出ているにもかかわらず、だれもよく知らないという点で、ネッケにかなう人はいません。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は世界的ピアニストのラン・ランと、妻で同じくピアニストであるジーナ・アリスのおふたりをお招きしました。トップレベルの檜舞台で活躍するかたわら、音楽教育活動にも尽力し、ユニセフ親善大使を務めるなど、いまやラン・ランはピアニストの枠を超えた音楽界のシンボル的な存在になっています。そんなラン・ランが2019年に結婚したお相手が、ドイツ出身のジーナ・アリス。ふたりはクラシックの名門レーベル、ドイツグラモフォンからリリースしたニューアルバムでも共演して話題を呼んでいます。
　パリにも拠点を置くラン・ランは、フランス音楽がアジアの音楽や文化とたくさんのつながりを持っていると指摘します。たしかにフランスの作曲家たち、たとえばドビュッシーであれば、交響詩「海」の楽譜の表紙に北斎の「富嶽三十六景 神奈川沖浪裏」をあしらったり、日本の漆絵の錦鯉に触発されて「映像」第2集の「金色の魚」を作曲するといったように、さまざまな形でジャポニズム、オリエンタリズムの影響を目にすることができます。そう考えると、中国出身でグローバルに活躍するラン・ランならではの視点によるフランス音楽の表現があってもおかしくありません。
　今回演奏してくれたのは、サン=サーンスとフォーレの作品。サン=サーンスの組曲「動物の謝肉祭」からは、ラン・ランの独奏で「白鳥」を、ジーナ・アリスとの連弾で「水族館」と「化石」を演奏してくれました。連弾する姿からふたりの仲睦まじさが伝わってきましたね。ラン・ランの自在の表現にジーナ・アリスがぴたりと寄り添う様子が印象的でした。
　最後に演奏されたのはラン・ラン独奏によるフォーレの「パヴァーヌ」。パヴァーヌとは古い時代の2拍子または4拍子のゆっくりとした宮廷舞踏を指します。古雅な雰囲気をまとったフォーレの「パヴァーヌ」に、ラン・ランは豊かでしみじみとした情感を注ぎ込んでくれました。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　現在オリンピックが開催されるパリでは世界中からアスリートたちが集まっていますが、パリはアーティストたちが集う芸術の都でもあります。今週は出口大地さん指揮東京フィルが、パリで生まれた名曲を演奏してくれました。演奏されたのはロッシーニ、ストラヴィンスキー、ガーシュインの作品。いずれも外国からパリにやってきた作曲家たちです。
　ロッシーニはイタリア・オペラのヒットメーカー。「セビリアの理髪師」などで大成功を収めると、その人気はイタリア国外にも広がりました。やがてパリに招かれるとセンセーションを巻き起こし、フランス国王から「国王の首席作曲家」なるポストを与えられます。そんなロッシーニがパリの聴衆のために書いたオペラが「ウィリアム・テル」。当時37歳だったロッシーニはこれを最後にオペラ作曲家から引退し、以後はフランス政府から終身年金を得て、ロッシーニ風ステーキの発案など、美食家として名を馳せることになりました。
　ロシア生まれのストラヴィンスキーは、ロシア・バレエ団の主宰者ディアギレフに才能を見出され、バレエ音楽「火の鳥」を作曲します。パリで上演された「火の鳥」は大きな話題を呼びました。続くバレエ音楽「ペトルーシュカ」「春の祭典」は激しい賛否両論を巻き起こし、ストラヴィンスキーは一躍、時代を代表する作曲家となりました。
　アメリカのガーシュインは、ミュージカルやジャズの世界で華々しい成功を収めた作曲家です。「ラプソディ・イン・ブルー」をきっかけに、クラシック音楽界でも注目を浴びるようになりましたが、ガーシュインは正規のクラシックの教育を受けていません。そこでガーシュインはパリに渡り、ラヴェルに教えを乞おうとしました。しかし、ラヴェルはこう言ったのです。「君はすでに一流のガーシュインなのだから、二流のラヴェルになることはない」。そんなガーシュインがパリの活気に刺激を受けて作曲したのが「パリのアメリカ人」です。花の都の賑わいが伝わってきましたね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は「3曲でクラシックがわかる音楽会」シリーズの第3弾。第1弾のモーツァルト編、第2弾のショパン編に続いて、シューベルト編をお届けしました。ゲストの伊集院光さんもおっしゃるように、シューベルトと言われてまっさきに思い出されるのが「魔王」や「野ばら」といった歌曲。シューベルトはわずか31歳で早世してしまいましたが、600曲を超える歌曲を書いています。今回はカウンターテナーの藤木大地さんに、シューベルトが「歌曲王」と称えられる理由を解説していただきました。
　まず最初に挙げられたのは、ゲーテの詩による「野ばら」。同じメロディに1番から3番まで、異なる詩があてはめられていますが、それぞれの詩が描く情景はまったく異なります。にもかかわらず、詩と曲がぴたりと噛み合っている点に、シューベルトの「歌曲王」ぶりが現れていると言います。シンプルな曲なのですが、詩を3番までたどってみると、意外なほどドラマティックな曲だということに気づきます。
　2曲目は「音楽に寄せて」。こちらも名曲ですよね。詩を書いたのはフランツ・フォン・ショーバー。詩人という以上にシューベルトの親友として言及されることの多い人物です。「野ばら」のようにゲーテの詩を使った場合でも、「音楽に寄せて」のように友人の詩を使った場合でも、シューベルトは詩と曲を密接に絡み合わせて、傑作を生み出しました。
　3曲目はピアノ五重奏曲「ます」の第4楽章。こちらは器楽曲におけるシューベルトの代表作と言ってもよいでしょう。シューベルトが歌曲「ます」のために書いたメロディが、ここでは変奏曲の主題として用いられています。同じメロディが次々と姿を変えてゆくのが変奏曲のおもしろさ。藤木さんは、このような器楽曲からも歌を感じると言います。そして、さまざまな情景を思い浮かべながら聴くと、この曲も実はとてもドラマティックであることが、よくわかります。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　今週は番組60周年記念企画第4弾といたしまして、日本のトップ・チェリストたち12人によるアンサンブルをお楽しみいただきました。ロストロポーヴィチ国際チェロ・コンクール優勝者である宮田大さんを筆頭に、近年、日本人チェロ奏者が国際コンクールで次々と上位入賞を果たしています。今回はそんな気鋭のソリストたちに日本を代表するプロ・オーケストラの首席奏者たちが加わって、超豪華メンバーによるアンサンブルが実現しました。
　同じ楽器だけでアンサンブルが成立するのは、音域が広いチェロならでは。ご存じの方も多いと思いますが、この分野には「ベルリン・フィル12人のチェリストたち」という先駆者がいます。1972年にベルリン・フィルのチェロ・セクションのメンバーが集まって、本日も演奏されたクレンゲルの「讃歌」を演奏した際に「ベルリン・フィル12人のチェリストたち」を名乗ったのが結成のきっかけ。以来、チェロ・アンサンブルの魅力を世界中に広めることになりました。
　クレンゲルの「讃歌」は1920年の作品。作曲者ユリウス・クレンゲル（1859～1933）はドイツのチェリストで、チェロのための作品を多数作曲しています。ライプツィヒに生まれ、父親はあのメンデルスゾーンと親交があったとか。クレンゲルは15歳にしてライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団のチェロ奏者になったといいますから、卓越した才能の持ち主であったことはまちがいありません。「讃歌」は12人のチェロ奏者のために書かれた作品で、クレンゲル本人と11人の生徒たちでこの曲を演奏し、ベルリン・フィルの首席指揮者アルトゥール・ニキシュの65歳の誕生日を祝ったという逸話があります。
　その後、クレンゲルの「讃歌」はいったん忘れ去られてしまいますが、「ベルリン・フィル12人のチェリストたち」が蘇演したことで注目を集め、現在ではチェロ・アンサンブルの定番曲になっています。今回の放送を通じて、作品の魅力がますます多くの方に伝わったことでしょう。後世にこれほど人気を博すことになるとは、作曲者も想像していなかったにちがいありません。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　ブルックナーは今年生誕200年を迎えたオーストリアの作曲家です。一般的な知名度という点ではベートーヴェンやブラームスにかなわないでしょうが、熱心なファンの人気という点では負けていません。ブルックナーの交響曲はオーケストラのコンサートに欠かせないレパートリーになっています。日本のオーケストラはもちろんのこと、海外から来日する有名オーケストラもよくブルックナーをとりあげます。
　どれも大曲ですので、聴き終えた後の充足感は並大抵ではありません。コンサートでは70分や80分もあるブルックナーの交響曲が終わった後、客席に完璧な沈黙が訪れることがよくあります。これは、すぐに拍手をするのではなく、余韻をしばらく味わいたいという意思のあらわれでしょう。読書にたとえるなら、大長編小説を読み終えた後、パタリと本を閉じてすぐに現実に帰るのではなく、少しの間だけ物語世界に浸っていたくなるようなものです。
　沼尻竜典さんのお話にもありましたように、ブルックナーの人気はなぜか男性に偏っています。男性側のトイレにだけ長蛇の列ができる「ブルックナー行列」は本当の話です。どうしてそうなるのか、不思議ですよね。
　今回、沼尻さんと神奈川フィルが演奏したのは、交響曲第5番の第4楽章より。この曲をぜんぶ演奏すると80分くらいになってしまいますので、抜粋でしかお届けできませんが、お聴きいただいた部分だけでも、ブルックナーの音楽の荘厳さや重厚さはよく伝わってきたのではないでしょうか。交響曲第5番はブルックナーの9曲の交響曲のなかでも、とりわけ構築的な作品といえるかと思います。それゆえに第5番がもっとも好きというファンもいますが、よく演奏されるのは抒情性が際立った交響曲第7番、あるいは第4番「ロマンティック」でしょうか。最晩年の第8番、第9番も大傑作として知られています。機会があれば、ぜひ一曲を通して聴いてみてください。新たな喜びに出会えるかもしれません。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　日本の古典音楽でありながら、多くの人にとってなじみが薄いのが雅楽。今週はカニササレアヤコさんと東京藝術大学邦楽科雅楽専攻のみなさんをお招きして、雅楽について教えていただきました。きっかけとなったのは、雅楽にルーツを持つ日本語。「音頭を取る」「塩梅」「野暮」「やたら」「千秋楽」といった言葉が、実は雅楽に由来していたとは意外でした。
　「音頭を取る」の「音頭」とは雅楽における楽器ごとの首席奏者だと言います。たしかに字面が「音の頭」なので、これには納得。龍笛が実際に「音頭を取る」様子を見せてくれましたが、なるほど、龍笛のソロに篳篥と笙が追随しています。こういった曲の仕組みがわかると、曲に親しむヒントをもらった気分になります。
　「塩梅」は字面だけを見ると料理用語のようですが、こちらも雅楽の言葉だったとは。篳篥のなだらかに抑揚をつけて息づかいで音を変える奏法「塩梅（えんばい）」から来た言葉なのだとか。実演を見ると、本当に息づかいだけで大きく音程が変化しています。これをいい塩梅で変化させるのは、かなり難しそう。
　「やたら」の由来は、雅楽の「夜多羅（やたら）拍子」から。多くの雅楽が4拍子であるのに対して、「夜多羅拍子」は5拍子です。もともとは6拍子の曲が、舞が付くときに5拍子になるという説明が興味深いと思いました。やはり1拍のずれのようなものが、ダンスの要素を生み出すということなのでしょうか。聴いていて、どことなく急き立てられるような印象がありました。このあたりは西洋音楽の5拍子の名曲、たとえば「スパイ大作戦」（ミッション・インポッシブル）のテーマや、ホルストの組曲「惑星」の「火星」などと共通する要素があるかもしれません。
　「千秋楽」とは雅楽の曲名そのもの。これが歌舞伎や相撲の最終日を指すようになったというのですが、現代ではコンサートやミュージカルでも使われているのがおもしろいですよね。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）

　クラシック音楽の世界にはおとぎ話を題材とした名曲がたくさんあります。今週は「シンデレラ」「人魚姫」「美女と野獣」から生まれた名曲をお届けしました。
　最初の曲はプロコフィエフの「シンデレラ」から「真夜中」と「シンデレラのワルツ」。「シンデレラ・ストーリー」という言葉があるように、この物語には華やかな雰囲気がありますが、プロコフィエフの音楽には独特の緊迫感があります。不安と期待が入り混じった主人公の複雑な心情を表現したかったのでしょう。ちなみに「シンデレラ」を題材とした有名曲には、ほかにロッシーニのオペラ「チェネレントラ」もあります。こちらにはカボチャの馬車やガラスの靴は出てこないのですが、ストーリーの根幹は同じです。
　ドヴォルザークのオペラ「ルサルカ」は水の精ルサルカと王子の悲恋を描いた物語。ストーリー展開はアンデルセンの「人魚姫」とほぼ同じで、人間の王子に恋をしたルサルカが、魔法の力を借りて人間に姿を変えます。ただし、人間の姿になるには声を失う代償が伴います。オペラなのに主役がいったん声を失う設定になっているのは、なかなか大胆ですよね。このオペラ随一の名曲「月に寄せる歌」は、声を失う前のルサルカが歌います。ほかに「人魚姫」を題材とした曲には、ツェムリンスキー作曲の交響詩「人魚姫」もあります。こちらは大オーケストラで演奏される後期ロマン派スタイルの作品です。
　最後に演奏されたのは、ラヴェルのバレエ音楽「マ・メール・ロワ」より「美女と野獣の対話」。ラヴェルは子供の世界をこよくなく愛した作曲家でした。組曲「マ・メール・ロワ」では、ひとつの組曲のなかに「眠れる森の美女」「美女と野獣」「親指小僧」「緑の蛇」といった物語が描かれています。美女の役をクラリネットが、野獣の役をコントラファゴットが担うといったように、この組曲ではラヴェルの巧みなオーケストレーションが聴きどころになっています。

飯尾洋一（音楽ジャーナリスト）